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April 24 他是一名邪乎的画匠！
The Love concert 凤求凰 oil marcestel 马克 法国
马克在画“中国神话和传说”上有他独到的方式，那就是色彩油墨分离画法，融进了他对蛋彩画的经典理解与运用，上幅如是。
他是一位绝对的浪漫主义画家,唯一能用上他大学里所学的经济学概念的,是能一眼一手就能摸清楚色彩油墨相互渗透到何种程度才叫"涨停"! 那真叫“分析”得精准！油墨分离画法大家或许知道,两种被稀释的颜料在同一画布上流动,当它们融合时会产生别样的渗透效果,这种效果当然包括渗透后的形象、颜色、以及颜色所自然生成的光泽等等。效果怎样与这两种颜色的种类有关,与稀释的程度有关，与渗透的动作深浅、方向有关等等。如果说画家本质上是一名工匠，那经营渗透画法的“工匠”就似乎有点邪乎了，不如说是“鬼斧神工”！看这画面，有谁能够相信这些色彩就是靠人手人眼的把握和观察，使不同色彩之间相互渗透而结果的呢？那丰富、浪漫、逼真到近乎完美的海底世界啊，简直就是一片天然的人间地域！
马克的油画，不能不说是一个奇迹！
画面故事简介：《凤求凰》
司马相如和卓文君，一个是被临邛县令奉为上宾的才子，一个是孀居在家的佳人。他们的故事，是从司马相如作客卓家，在卓家大堂上弹唱那首著名的《凤求凰》开始的：“凤兮凤兮归故乡，游遨四海求其凰，有一艳女在此堂，室迩人遐毒我肠，何由交接为鸳鸯。”
这种在今天看来也是直率、大胆、热烈的措辞，自然使得在帘后倾听的卓文君怦然心动，并且在与司马相如会面之后一见倾心，双双约定私奔。当夜，卓文君收拾细软走出家门，与早已等在门外的司马相如会合，从而完成了两人生命中最辉煌的事件。卓文君也不愧是一个奇女子，与司马相如回成都之后，面对家徒四壁的境地（这对爱情是一个极大的考验），大大方方地回临邛老家开酒肆，自己当垆卖酒，终于使得要面子的父亲承认了他们的爱情。尽管后世的道学家们称他们的私奔为“淫奔”，但这并不妨碍他们成为日后多少情侣们的榜样。 这之后还有一个事件值得一记：司马相如一度迷上了某才女，卓文君作《白头吟》，以这样的句子“闻君有两意，故来相决绝。愿得一心人，白头不相离。”终使相如回心转意。 正当司马相如和卓文君沈浸在甜蜜的新婚日子里，卓王孙却暴跳如雷，发誓不给文君钱财。这样一来，文君和相如穷得没法过日子。他们只得回到临邛，在街上开了一家酒店，文君坐柜台打酒，相如穿上围裙，端酒送菜，洗碗刷碟子。日子虽然清苦，但两口子相敬如宾，过得和和气气，过了一些日子，卓王孙在朋友的相劝下，才消了怒气，给了文君一些钱财和奴仆，这个故事就是「文君当垆」。 司马相如是西汉时期很重要的一位作家，他和卓文君的爱情故事，尤其令人津津乐道。不过，据说当他在长安，被封为中郎将的时，由於自己觉得身份不凡，曾经兴起休妻的念头。有一天，他派人送给卓文君一封信，信上写著「一二三四五六七八九十百千万」十三个大字，并要卓文君立刻回信。卓文君看了信，知道丈夫有意为难自己，十分伤心。想著自己如此深爱对方，对方竟然忘了昔日月夜琴挑的美丽往事，就提笔写道： 一别之后 二地悬念 只说是三四月 又谁知五六年 七弦琴无心弹 八行书无可传 九连环从中折断 十里长亭望眼欲穿 百思想 千系念 万般无奈把郎怨 万言千语说不尽 百无聊赖十依栏 重九登高看孤雁 八月中秋月不圆 七月半烧香秉烛问苍天 六月伏天人人摇扇我心寒 五月石榴如火偏遇阵阵冷雨浇花端 四月枇杷未黄我欲对镜心意乱 急匆匆三月桃花随水转 飘零零二月风筝线几断 郎呀郎巴不得下一世你为女来我做男 司马相如收信心惊叹不已，夫人的才思敏捷和对自己的一往情深，都使他心弦受到很大的震撼，於是很快地打消了休妻的念头。 一个女人对另一个女人的欣赏^_~
《萌》（英文名：Dare to live, dare to risk and siege——Women inner power and implosion）局部欣赏,作者:墨客,MYO KHIN
<萌>在2006年舍得秋拍以2200万成交.
萌
这幅画是墨客的巨幅作品<萌>的局部.第一次在坦博艺苑看到整幅画的时候,我并不能肯定其中画的什么.那幅画长700多米,巨幅画,大片温润的红色与驳拉的线条,似在畅述什么,却又没有任何形象概念.抽象至极! 墨客是一个艺术的"疯子",我一直以为,因为他的画总是充满着表面的非理性与过热的情感的恣意纵横.盯着他的画看多久,你也都难参透其中的意味,甚至不知从哪个方向看才算是正解.但你却似因一种无端的由来深受感染了.仿佛一种别样的荷尔萌猛得升起,激控着你的情绪.当然,这无关情色.哎, 真是难以清楚,这位据说又从过政又经过商的艺术大家怎能抽象得这样不知所以然.
然而,看到这幅局部底片,才不由得恍然大悟了:一个女人!紧闭眼睛的侧脸女人!
有观赏者这样写道:
这幅长达780cm，宽至180cm的巨幅油画，生动展现了女性内心蕴藏的巨大能量和丰富情感：大块的鲜亮的橙、黄、粉红相交错，在大地棕色的映托下，积极而不失浪漫，热情而不乏沉稳。流动的涂刷笔触，又附以细节上的勾勒，用笔帅气豪放，节奏抑扬顿挫，动如脱兔，静如处子。色彩和笔触呼应，激情与理智并行。于平静中爆发出蓬勃的力量，于无声处流动着知性的回响。代表了女性柔美身体的线条与大量的暖色相搭配，似将蕴藏在女性体内与心灵中的强大能量和爆发力优雅地呈现。
我不会评画,只会用心灵和直觉去欣赏画.那是发自内心的喜欢或不喜欢.但没想到的是,原来直觉并非能给一个完全正确的感受或完整的享受.只有当更进一步看清它的真实面目,那才算真正享受到了意未尽而蕴无穷的美妙滋味.
需进一步探究的是,一个从政而又经商的艺术家,为何长于如此抽象而恣意的作画方式?
墨客简介:
墨客（Myo Khin），生于1949年,华裔色彩主义抽象派画家。经济学硕士，动物学学士。1995年在海外建立Htan Yeik Nyo艺术中心，多次在国外举办展览。2003年在香港举办“Creating Senses with Colours Atmosphere”个展；2006年在北京与崔自默博士、刘墨博士举办“三人行”画展并被首都企业家诗书画院聘为特邀院士。著有Thesis for Myanmar Contemporary Art，Colour and the Artist等文章，出版了多部《墨客画集》。 墨客曾为政府官员，后入商界。曾一度过着与外界隔绝的生活，有机会体验超凡入圣的艺术境界。禅宗的精神引领他寻找纯洁的思想真谛。其间，他最好的生存方式就是欣赏和品味他所收藏的油画，并开始自己的艺术实践。 墨客认为，色彩是大自然送给人类的礼物。他能深切体会到色彩的艺术价值。他充分运用自己的感觉绘画，把音乐、建筑、雕塑等感受借助色彩推向一个极致，表现出非凡的创造力。他是一位天才画家，把埋藏在内心深处的情感开发出来，几乎是他的全部。 来源:http://2008.ifeng.com/news/200706/0617_682_136709.shtml
April 23 中国最大规模国际美术展"2008北京第三届国际美术双年展"将在奥运会期间举行 2008年，举世瞩目的第29届奥林匹克运动会，将在中国首都北京拉开帷幕。与此同时，中国有史以来最大规模、规格最高的国际美术交流平台——北京第三届国际美术双年展也将于七月中旬至八月在此隆重举办。据中国美协副主席刘大为介绍，第三届北京国际美术双年展主题为“色彩与奥林匹克”，此展在主题选择、活动组织等方面都将与奥运会调和衔接，成为北京人文奥运的一大特色组成。现拟邀请七十多个国家的约800件作品参展，而中国国内参展作品达一百八十件(组)绘画和雕塑，其中，中国画八十六幅、油画五十三幅、雕塑二十五件及版画、色粉画、水彩画、漆画等其他类作品十六件。 所有作品是从国内外二千七百多名应征者的近九千件投稿中激烈预选出，其优秀程度可供艺术爱好者期待。
附：奥运作品欣赏 1。《奥运之光》 作者：墨客（Myo Khin） 这幅作品拍价高达1210万人民币，列居“2008年胡润艺术排行榜·拍品价格排名”第41位，该幅作品在主题构思与色彩协调在展现奥运精神内涵上有独到之处，据说是一幅神秘的“奥运地图”。艺迷们大概可在2008北京第三届国际美术双年展会场一睹为快。
2。 《奥运史图》，作者关史良 资料“http://2008.sohu.com/20070929/n252429999.shtml
作品3：
台湾雕塑家杨英风的作品《水袖》 据台湾媒体报道，台湾著名雕塑艺术家杨英风的作品《水袖》，已被北京奥组委挑选作为北京奥运会的建筑雕塑，预计明年五月份放置在北京奥林匹克公园。 作品4：加入奥运元素的中国特色民俗画 画面上方大胆地采用奥运五环，用镶嵌的表现手法，描绘成古代钱币形式，既象征传统，也寓意中国的经济繁荣昌盛，文化源远流长。画中财神财帛星君神态慈祥，笑容满面，手捧如意，身着龙袍，足登元宝，周围五福招财童子相拥，象征福、禄、寿、财、喜。艺术家此次创作的财神不仅采用最传统的木版木刻和木版水印等技法，还运用了现代绘画技法和表现手法，更符合当代审美取向，也更具有时代感。
其他作品：
更多请点击： April 18 2008胡润当代艺术榜：拍品排名(1~50)
2008胡润当代艺术榜综述 (作者:媛琦、殷智敏)面对他们的作品，你会觉得另一个自我被发现，你会感受平静，感动，你就如同看一部让人叫好的电影一样，留恋着不愿离开，也可能像读了一本好书一样，想推荐给更多的朋友，那可能就是你与这幅画¬的缘分，创作者彼时彼刻的感动传达给了此时此刻的你，你们共同¾¬历了一场繁华都市的梦境，于是，你买了它，于是，它可能就是下一个拍卖市场的主角，因为只有你自己心底深处与艺术家同时达到共情的审美无意识，这个人类共同的梦境才是最真实的社会风向标。 从“富”到“贵”的审美 2007胡润百富榜上资产8亿元以上的企业家已¾¬有800位，刚刚结束的“最受千万富豪青睐的品牌”显示，名车、名表、豪宅、游艇，甚至私人直升飞机已¾¬越来越广泛地在这些人群中被消费，对这些富豪来说，能用金钱衡量的物品远远不能满足他们的消费需求，那么富豪的终极“玩具”究竟是什么？ 放眼国际，法国第五富豪皮诺重金购买威尼斯葛À¬西宫艺术馆并展出他的收藏，世界首富比尔•盖茨更是把兴趣放在了美国艺术家的作品上，并多次做出震惊市场的举动，以高于拍卖纪录的2到15倍的价格购买美国艺术家贝洛斯、霍默、韦思等人的作品，那么在中国呢？中国的富豪什么时候开始消费艺术呢？胡润始终保持对中国财富群体的关注，继2004年首次推出“胡润慈善榜”之后今年首次推出“胡润当代艺术榜”。 在排榜过程中，我们的方法与以往相同的是仍然锁定为在世华人，而与以往的百富榜和慈善榜不同，首次将候选艺术家名单扩展到港澳台地区，在国际雕塑领域十分有影响力的台湾艺术家朱铭被列入榜内。区别于经¬济实体间的相对封闭，两岸三地在文化上同根同源，在艺术的创作上体现出相同的特征。而在国际拍卖市场上，三地的作品也一直被归入同一类别，形成一个共生共荣的整体。此外，我们也考虑到港澳台地区对中国当代艺术的影响力，故将排榜对象扩展到该地区。数据采自独家战略合作伙伴雅昌艺术网对2007年拍卖会的不完全统计。 目前中国当代艺术的收藏中，中国本土的藏家数量还不到20%，仍然是国际关注为主，但是我们相信，随着经济的持续发展，会有越来越多的中国富豪开始欣赏艺术，消费艺术，成为真正意义上的收藏家。 2007艺术品市场热浪 从2003年开始，中国当代艺术品开始跃入人们的眼帘。随着2004、2005年井喷式的发展，再加上2006、2007年的稳步提升，如今的中国当代艺术品市场已¾¬成为中国艺术品市场一颗璀璨的明珠。 近年来，全球的艺术品交易市场都异常火热。最近3年，全球艺术市场不断走高，2007年更是达到一个高峰。根据佳士得拍卖行公布的2007年年报数据，其2007年的成交总额达到了63亿美元，较2006年增长25%。而另一国际知名拍卖行苏富比2007年的总成交额也达到了53.3亿美元，这均是两家公司拍卖的新纪录。在国际大市场一片上扬的带动下，中国的艺术品市场在2007年也表现优异。根据雅昌艺术网的数据，整个2007年，全球中国艺术品拍卖市场总成交额达到近237亿元，较2006年增长29.1%。而在国际知名艺术品市场信息网站Artprice.com的报告中也声称，在2007年间，中国艺术品总成交额已经超越法国，紧随美英之后，位居全球第三。 作为当今中国艺术品市场的重要组成部分，当代艺术品市场依旧保持着高速增长。2007中国当代艺术品市场的红火，给人最直观的感受便是拍品价格的不断飙升。蔡国强创作的《APEC 景观焰火表演十四幅草图》以超7000万的价格创中国当代艺术品拍卖成交纪录。而这也绝不仅仅是个别现象，包括张晓刚、岳敏君、赵无极、吴冠中在内的一大批当代艺术大师的作品在2007年间得到市场的热烈追逐，成交价格节节上升。 中国当代艺术的发展除了作品自身的美术因素外，和中国宏观¾¬济的持续发展同样密不可分。随着中国国际地位的不断提高，来自中国的文化艺术作品也在世界舞台上有了更多表现发言的机会。同时，相对于西方发达成熟但也稳定的社会环境，处于转型期的中国，新旧思想并存，中外文化激烈碰撞。如同海面下的礁石，暴风将海水吹起，平µ¬的生活表象被剥去，裸露出隐藏在其背后的真正推动历史前行的真理。这一“真理时刻”(The Moment of Truth)为艺术家的创作提供了绝佳的视角，艺术家们通过自己的作品来表现出这一时期中国政治、文化及群体无意识价值取向，对中国社会的运行发展表达了自己独特的理解。外国藏家们被这批作品背后的特殊因素吸引，从而使收藏中国当代艺术作品逐渐成为一个潮流。而中国当代艺术品原¬先较低的价格和巨大的升值潜力也是吸引部分国际艺术品投资者的重要原¬因。 另一个支持中国当代艺术品市场的原¬因便是国内藏家群体的渐渐崛起。虽然，就目前而言，中国当代艺术品的收藏者绝大多数都是来自国际的买家，但市场高回报的吸引，加之新兴富豪阶层自身对文化素养的追求，使得越来越多的国内买家进入到当代艺术品的拍卖中去。这些买家大多实力不俗，并且和中国当代艺术家有相同的文化背景，更易接受和理解作品的内涵¬。伴随着这笔国内藏家的推动，高价位的拍品成交踊跃。 当代艺术家年龄分析 40至60岁，中国当代艺术的中流砥柱 在2007的中国当代艺术品市场，从其作品的总成交额上考量，哪个年龄段的艺术家最被市场认同？ 从上榜艺术家的年龄来看，除赵无极，吴冠中两位老先生年龄在八十岁以上外，绝大部分上榜艺术家以40至60岁年龄段居多。这些人大多数¾¬历过中国比较艰难岁月的洗礼，因此他们的作品有明显的时代烙印，这些作品大概分为两类—一类是刻»¬低层生活并发出社会深刻思考的写实派，其代表人物如程丛林、王沂东，这些作品因为有重大的历史意义及其不可复制性，一经市场推出立刻受到高价追捧。另一类则是以张晓刚、方力钧、岳敏君、王广义为主的作品，他们以其在艺术市场中的火爆程度，被称为备受追捧的当代艺术“F4”。从2004年以来，他们的作品已经从边缘而小众的市场层面迅速提升为引人注目的市场焦点，在我们对2007年的拍卖统计中，他们的作品几乎是场场创下最高纪录。国际藏家的关注也拓展了我们对这些作品上升空间的想象力。 我们将2008胡润当代艺术榜上的50位入榜艺术家按照年龄进行分组， 并对每个年龄分组单人平均成交额进行了分析比较。若从年龄分组的艺术家个人平 均成交额上来看，80岁以上，以赵无极和吴冠中为代表的艺术界泰斗们表现要远远领先于其他各年龄组。并且从图表中可以看出，在2007年的中国当代艺术品市场中，艺术家们的个人总成交额基本是伴随着其年龄增长而增长的。 大浪淘沙，艺术家和其作品在一次次岁月的检验中慢慢累积着自己的价值。与40至60岁年龄这批当代艺术市场的主流不同，70岁以上的艺术家虽然在数量上不及，但细数其中，均是在中国美术历史上确立下丰碑的大家。他们的作品为市场所认同，在拍卖会中往往是众人追捧的臻品。同时，由于在市场中流通的作品数量更多，也在一定程度上增加了其总成交额。 艺术家创作的黄金十年 我们对2007年拍品排行中的96幅作品进行了统计（开国大典为多人合作创作，故未计入统计），发现其中相当比例是由艺术家在30至39岁时期内创作，占到了总数的39%。这是一个非常有趣的现象，面对如此高的比率，人们不禁思考，这十年，对于艺术创作，究竟有多重要？ ¾¬过20岁的青涩，当艺术家步入30岁之后，技巧日益纯熟。同时，其创作热情依然旺盛，敢于创新和尝试。而更多的阅历使得艺术家们对人生、对世界能够产生更多更深入的思考。所谓厚积而薄发，很多艺术家在这个年龄段完成了自己的突破和蜕变，成功转型，树立起属于自己的风格。在这一时期所创作的作品，往往成为艺术家成名的代表作，在艺术界享有很高的美誉，在艺术家自身的创作中也拥有很高的历史地位。自然，这批作品会获得艺术品买家的关注和追逐，最终拍得高价也是其自身价值的体现。 中国当代艺术地理志 北京—当之无愧的艺术中心 从上榜艺术家的地域分布来看，无论是出生地还是现居住地，北京都领先于全国其他城市。艺术家聚居大都市，是一个世界性的文化现象。同行之间的交流是年轻艺术家渴望聚集在同一地区的主要Ô¬因。北京作为全国文化中心和国际大都市，是现代艺术»¬廊、»¬商、批评家、收藏家、艺术赞助商等相对聚集的地方，也是国际机构聚集的地方，艺术家择栖、聚集北京，便于与同行、批评家、»¬商及其他能够促进其艺术事业发展的人直接接触。 上海不敌½¬苏 与北京相去甚远的是上海，数字所表现出的差距显示上海的艺术家还没有聚集，虽然一次比一次有影响的上海双年展，2007年成功举办的上海当代艺术展等活动也展示了上海作为国际大都市的艺术影响力，但是莫干山路50号、苏州河等地的艺术群落显然还不具备像北京宋庄、798、圆明园的影响力。采访中，一位逃离上海的艺术家曾说，在上海，你可能失去你Ô¬本的生活，在北京，你会拥有生活。这句话虽然偏激，但是也许可以说明艺术家在这两个城市分布的悬殊原¬因。 自古江南多才俊。在2008胡润当代艺术榜之上，其中便有5位之多是从这片充满着美丽故事的土地走出。鱼米之乡的富足安逸，温润宜人的天气和风景都为人们带来了美的灵感。携着千年来½¬南士人留下的文化气息，甚至还夹着民国首都的那一丝“帝王之气”，吴冠中、朱德群、范曾等走出国门，在与西方艺术的学习、碰撞、融合中，完成了中国当代艺术的突破，终成一派大师。 西南艺术重镇—昆明 值得关注的是分布在西南地区的艺术中心昆明，在上世纪80年代中期，出生于上世纪五六十年代的毛旭辉、张晓刚、叶永青等画¬家，举办“新具象画¬展”，组织的“西南艺术研究”群体，是影响中国当代艺术发展的重要事件，构成了中国“85新潮美术运动”。这个城市虽然不像成都有四川美院的支撑，但是从成立以来，这里进行了多次艺术品展览，起初是由叶永青和张晓刚合作开辟的上河空间，后来是叶永青的上河创库，这里逐渐成为吸引西南地区艺术家的聚集部落。 香港—中国当代艺术的交易中心 香港是内地参照国际艺术市场规范操作的最好门径。每年在港岛举行的春秋两季大拍，总会吸引到众多海内外藏家前往竞标。近两年来国际市场的中国艺术品卖价反复飙升，高位持续，在这个链条中，全然跳过了画¬廊操作阶段，而由香港两大拍卖行及其纽约总部最终落槌定价，起到了决定性的“提价”作用。胡润当代艺术榜2007拍品排名的100幅作品中， ¾¬由HK佳士得和HK苏富比拍卖的作品数量占到总数的42%，拍品总成交额上达到45%。借由如此优异的表现，香港俨然成为中国当代艺术品交易市场的半壁½¬山。 除了国际顶级的拍卖行，香港高素质的艺术商人也为中国当代艺术的发展起到了至关重要的作用。这里有一个人必须被提及，这个人就是香港的张颂仁。他挖掘出的艺术家，如今个个声名显赫。张晓刚、曾梵志、王广义、方力钧¡¬¡¬中国当代艺术最初在国际的影响力，就是由张颂仁一手操办的。就连现在公开收藏中国艺术品最多的比利时收藏家尤伦斯，也是受到张颂仁的影响。 花开五朵——2007中国当代艺术品拍卖市场分析 07中国当代艺术品市场的领跑者 胡润当代艺术榜2007拍品排行，在个人»¬家作品总成交额上，赵无极、张晓刚、岳敏君、吴冠中分列前四。这四位艺术家的总成交额均超过了亿元大关，占到TOP100拍品的近50%。其中张晓刚占14%、吴冠中12%、赵无极12%、岳敏君10%。 非常有趣的现象是，这4人无论按照年龄还是按照技法划分都刚好是两个重要代表，一边是少壮派中受国际藏家关注的政治波普大师，另一边则是融贯东西方绘»¬技巧的公认的艺术宗师。 从张晓刚和岳敏君的市场受欢Ó¬程度可以看出，这些艺术家作为艺术的中坚力量，他们的作品在艺术史中的地位已¾¬得到认同，同时这些作品的国际流通性，也使其作品价值的稳定性有了更好的保证。比如张晓刚的»¬从买家结构看，其作品有比较好的国际性分布，如早期中国当代艺术藏家乌里•西克及尤伦斯夫妇，英国著名»¬商、»¬家戴敏•赫斯（Demin Hurst）的幕后推手萨奇（Charles Saatchi）及美国著名电影导演奥立弗•斯通（Oliver Stone）都是他的支持者，古根海姆博物馆等机构也藏有其作品。从苏富比的记录看，亚洲买家的比重也在不断增加。相对分散的高质量买家结构，对稳定张晓刚作品的未来价格、减少短期投机行为将起到决定性的作用。 吴冠中作品进入艺术市场相对较早，无论出品之多还是成交价之巨，吴冠中均为在世»¬家之首。上世纪80年代，吴冠中凭激动人心的形式美及大辩论，使之成为»¬坛最受关注的风云人物；不同于传统的绘»¬风格和面貌，在上世纪80年代一进入市场即被海外收藏家和艺术¾¬纪人的最大关注和投资，从而奠定了国际化的基础。 吴冠中老先生曾说：“愈往高处走，东西方艺术的本质愈一致。”于是，他开始用东西两支笔，描述清新、平易、亲切、扣人心弦的故事。与他同样高龄并且也是采用东西方技法相融合的另一位国际级大师赵无极更是东西方融合的典范。 法籍华裔»¬家赵无极是上世纪世界»¬坛杰出的抽象主义艺术大师。以西方价值为导向的国际艺术市场，已完全将赵无极认同为国际艺术家。根据计算，赵无极大大小小的作品不过两千幅，这个数量与毕加索、马谛斯等年代前后的艺术大师相比较，数量并不算多。若再排除世界各个美术馆和私人藏家的收藏，真正可能流通到市场的也不过百幅。可见在对于某些有丰富西洋艺术大师交易¾¬验的收藏家来说，动辄数百万千万美元、英镑的拍品比比皆是，因此，赵无极的»¬价相较之下其宽阔的升值远景显而易见。 值得一提的另外一位代表人物是蔡国强，他是去年的标王，在总成交额和平均成交额上也非常领先，蔡国强的国际参展¾¬历丰富。早在1995年蔡国强就参加了威尼斯双年展，并在1999年的第48届威尼斯双年展凭借《威尼斯收租院》获得金狮奖。紧接着，蔡国强参加了几乎所有的世界性重要大展，正是由于蔡国强“国际”当代艺术家的背景以及他作品的独特性，他的作品多为国外的美术馆、基金会和私人藏家所收藏，这些收藏是对蔡国强作品艺术价值的肯定，也是对其在艺术史发展中地位的肯定。收藏在先，市场在后，这是蔡国强作品行情不断走高的根本所在。 收藏的眼光——寻找下一个张晓刚 当张晓刚的作品在一年内三破拍卖纪录，当刘小东作品已经¬达到千万元身价，当岳敏君、曾梵志等人作品已经是百万元级别时，谁¬是下一个张晓刚？谁是下一群艺术界的F4？ “立春”了，风的味道都不同了 东西方的美学历史告诉我们，任何一种重要艺术风潮的出现从来都不是单独形式的存在。 备受瞩目的陈丹青《牧羊人》中，对拥吻的情侣描绘的大胆直白让人可以联想到张艺谋的《红高粱》，男人仅露背影，强悍有力，女人的动作笨拙僵硬，看似不和谐的种种元素却赋予整幅»¬面全然不同的美感。文革创作中被极力回避的爱情主题首次出现在»¬布之上，并且如此直露、毫不回避，毫不修饰。因此，著名评论家栗宪庭指出，陈丹青的意义在于：开启了绘»¬中的人性复苏和个性表达，直接影响了八五新潮美术运动和以个性表达、批判社会为宗旨的中国当代艺术的兴起。正如马萧的专文中所指出的，《西藏组画¬》与同期的新文学、稍晚的第五代导演的新电影，构成了上世纪80年代最为重要的文化图景。 第五代导演之后，王朔的小说以及姜文的《阳光灿烂的日子》中显示的那些单车上对女性幻想的青春是否可以让你联想到玩世写实主义用玩笑来消解？他们大多和方力钧一样，出生于上世纪60年代，在他们的童年和少年时代的记忆里，孩子们之间打群架是游戏的主要内容。接下来上世纪80年代末和90年代上半期中国普遍存在的无聊情绪和泼皮幽默的生存感觉，更让越来越多和方力钧同时代的人感到无可奈何，“我们几乎分不清我们与环境的界限，我们以为自己的独立，也许正是某种环境的结果，我们嘲笑这个世界，也许正是嘲笑自己，我们不得不变得泼皮。” 按图索骥，我们不妨可以看看顾长卫导演拍摄的，由李樯创作剧本改编的《孔雀》和《立春》两部电影，他们分别代言着什么呢？ “立春”来了，风的味道都不一样了。这两部戏都由年轻作家李樯创作的剧本改编，李本人对文革印象不深，他却时刻为挣扎在小城市的那种精神上的不自由痛苦，这个年代不再有太多物质匮乏和政治烙印，但是在追求理想和与商业社会的妥Ь中，这些年轻人无一例外地感受到另一种与父辈不同的痛苦。这些理想与现实间徘徊的痛苦又在被哪些艺术作品不动声色的展示呢？ 70后，卡通一代？ 值得一提的是被藏家们看作“Ô¬始股”的“70后”们。虽然在本次统计中，这些 “70后”画¬家还没有大规模整体亮相，但是在去年匡时国际于10月推出的主题拍卖会上，当时共上拍作品108件，成交81件，成交率为75%，总成交额为671.33万元。成交额和成交率虽然算不上高，但由于许多年轻艺术家的作品都是首次付拍，取得这样的成绩已相当惊人。如此佳绩也向市场表明了他们将是“未来的主人翁”。 最近在网络上被密切关注的日本小说家乙一的《ZOO》几乎是受到70后及80后人群的超级认同。这是一本和以往的阅读都不相同的体验。没有流派，虽然是在恐怖类小说中把它•¬出来。荒诞却又并不具备卡夫卡那种过于深刻的意义。70后普遍认为，这是属于他们的童年记忆。 那么70后的艺术家呢？很多藏家在预测他们的动向，是杨静他们表现的卡通一代吗？是熊宇的水系列吗——那种凝固的让人无法´¬息的胶状固体般的水？还是已经¬价值不菲的刘野以及他笔下那些拿着流血的小刀却无辜单纯地在夕阳下站立的小孩？这些作品已经¬悄悄的隐藏了上一代的政治伤感，更多的是用平静掩盖了暴力的童年。或者当70后的这些人逐渐成为社会中坚力量，他们中涌现出更多藏家的时候，他们会更倾向于那些能代表这个时代符号的艺术表达。如同我们现在所看到的，对“卡通”元素的广泛使用是“70后”艺术的显著特征。 这种“卡通化”的出现与解读和“70后”一代的视觉成长¾¬验及自我表达的心理需要密切相关。可以观察到的是，这些“70后”画¬家正在从政治浪潮中脱离出来，他们更加专注地关心和表达自我。 收藏艺术—收藏人类关于自我探索与自我认知的梦 张晓刚说，1985年，他在创作的瓶颈中，读到一本书，是美国精神分析学家弗洛姆和日本禅宗大师铃木共同创作的《禅与精神分析》，这本书让他开始思考他要画¬什么，他的自我在哪里，于是才有了今天无数次在纽约的拍卖会上被刷出最新记录的那些茫然的、无知的、面对所有苦难都可以让自己麻木的中国大家庭里的脸谱，才有了那些以血缘关系为主题并固执地附着在各种血缘关系中的黄色与粉色的伤疤，那么刺目，如泪珠般落在纸上，一旦晕染，便无法弹落。 所以其实无须惊讶这些艺术家的成功。1985年，他们已经¬在精神分析和禅宗的启示下踏上了寻找自我的征途，并且在没有任何鼓励的前提下，他们固执地用刻刀、用技法、用寂寞的时间，去刻画¬下他们找到的，终于可以言说的方式。 用今天的成功标准来定义，他们的»¬作动辄千万的身价是足够成功了，但是我更喜欢张晓刚面对艺术市场的冷静态度。他说，我的»¬卖100美元时我踏实，卖到100万美元我惶恐。同时，他告诉我们，“其实我还是孤独前行着的我。”或者，艺术只在孤独的时候属于创作他们的艺术家，现在对于这场金钱的游戏我们不妨把它看做是另一个可以由大多数人参与其中的行为艺术，其实这个艺术和当年的张晓刚本人已经没有太大关系。 ¾¬常有人会问，为什么现在张晓刚的画¬能卖1000万元，而六七年之前他在创作的时候还只要1000元，再简单点还有人会说，你能不能告诉我，哪些人的哪些»¬现在价格比较低，过几年就能到1000万元。 寻求这个问题的解答方式固然可以从拍卖记录进行数据分析，从阅读大量艺术史资料寻找艺术规律，也可以从和不同藏家交流的过程中保持对艺术动向的关注。 但是，我们希望对那些正在准备走进艺术收藏领域的企业家朋友说，欣赏艺术不需要太多指点。如果你喜欢，你就去看一些画¬展，参加一些拍卖，不一定急于举牌，在看的时候让自己去想去思考，你或者并不需要知道ˬ正走在市场的风头浪尖，你所喜爱的那个»¬家也可能并不一定今天是市场的宠儿，但是面对他们的作品，你会有觉得你的另一个自我被发现，你会感受平静，感动；你就如同看一部让人叫好的电影一样，留恋着不愿离开，也可能像读了一本好书一样，想推荐给更多的朋友，那可能就是你与这幅画的缘分……创作者彼时彼刻的感动传达给了此时此刻的你，你们共同经¬历了一场繁华都市的梦境，于是，你买了它，于是，它可能就是下一个拍卖市场的主角，因为只有你自己心底深处与艺术家同时达到共情的审美无意识，这个人类共同的梦境才是最真实的社会风向标。 服务艺术行业 推动艺术发展 刚刚过去的2007年是绚烂纷繁的一年，期盼已久的2008年是充满机遇的一年，以至于在这个回首与展望的时刻，艺术行业显得格外丰富与立体。 中国经¬济的增长态势受到全世界的关注，正是在这个发展与强大的过程中，我们越来越清楚地认识到文化是决定中国国际地位的重要基础；当这个有着十几亿人口和五千年悠久历史的国度以矫健的步伐前行时，来自各个角落近乎苛刻的目光都在关注他的精神与文明。 艺术是一个国家文明历史的直观体现和重要载体，这也是艺术在当下备受瞩目并空前繁荣的原因。在这个领域里，雅昌一直致力于打造为人民艺术服务的完备体系，珍惜历史机遇的同时，更有压力在肩。 服务，贯穿于雅昌企业15年的风雨历程中，雅昌艺术网正是因服务而诞生，如今已成为中国艺术界的门户网站。连接艺术链条上每个环节，为他们提供广阔的展示平台，并以舆论的力量感染更多热爱艺术的人，都是雅昌艺术网的重要工作。最终，还是为了给艺术领域以及对艺术感兴趣的人们提供最为得心应手的工具，服务于整个行业并推动其发展。 艺术中国年度影响力的评选已¾¬是是第二届了，也逐渐成为一个知名的品牌。在中国艺术发展的重要历史阶段，在机遇与挑战并存的情况下，更需要清醒地记录下每一个脚印。哪些事产生了巨大的影响，哪些人作出卓越的贡献，从统计数据中又可以发现和总结哪些问题？“鉴于往事”，才能“有资于治道”，对去年的客观分析和总结，使得今年的目标更加明确，为艺术行业发展提供重要借鉴。 作为艺术界最重要的服务平台，雅昌以保护、传承、弘扬中华民族文化为己任，为中国艺术行业提供全面、综合的服务。在这种社会责任的指引下，雅昌营造的是所有艺术家、艺术机构和艺术爱好者创作艺术、沟通艺术和欣赏艺术的乐园。“艺术中国”正是这个平台上、这个乐园中的一个优秀的品牌，大力推动艺术发展的同时，也让艺术在全社会信心百倍地发出悦耳的声音，引导更多的人开始了解并进入这个行业。 强烈的使命感既带来压力，也推动着雅昌企业不断地进步。在奥运年里，中国艺术会得到更为广泛的传播，“艺术中国”将推波助澜。 摘自: _http://www.hurun.net/showmagazinecncontent735.aspx胡润百富 January 22 让艺术庸俗让艺术庸俗
——《美国艺术史话》第十二章
王瑞芸
在这一章，我们将进入美国现代艺术流程中最壮观的一幕：让生活等于艺术。我们在前面已经提到过，让艺术向生活靠拢，甚至要让艺术完全等同于生活是美国现代艺术中一个重要的领域，而且是美国对西方艺术卓有贡献的一个领域。让我们来看看，这个新领域为什么重要。 紧接着抽象表现主义之后，６０年代初美国艺术出现了一个新流派：波普艺术--一种以被人轻视，被艺术鄙视的俗物为对象的艺术。这个流派标榜的正是抽象表现主义避之不及的"俗"，它的旗号是：艺术不应该是高雅的，艺术应该等同于生活。这个口号令人耳目一新一提出，美国艺术家就敏感到这是一片新天地，于是人人争涌过去，在短短的时间中，美国艺术便百花纷呈，新风格迭出，叫西方现代艺术又一次波澜壮阔起来。 在６０年代出现的这个艺术"新浪潮"，其要紧处还不只是刺激了许多新风格产生而已，而是改换艺术基础的"立场转移"。从现代艺术在美国发展的全部过程来看，平心而论，美国艺术家在形式的创造上不敌欧洲现代艺术家。在美国艺术家手里建立的一些艺术风格，比如抽象表现主义、大色域、极少艺术等等，其造型手法都是在欧洲现代艺术的造型手法上发展起来的，是在欧洲人迈出的地界上往前多走两步而已。可是波普艺术一出，却让人刮目相看，这一次，美国人却是把艺术放到一个新的水平上去发展了。这发展是无关形式的，而是有关思想的，有关艺术应该和生活等同这个思想的。这个思想的出现非同小可，一方面它改变了艺术的基础，艺术不应该是生活以外的事，不应该是凌驾在我们日常活动之上的。另一方面它改变了人心的定见：我们应该用平常心去看艺术，也该用平常心去做艺术，如果我们真能够做到"无分别心"了，我们将会在精神上获得一种意外的自由--艺术竟可以来启发人的思维方式、生存态度，这是历史上前所未有的。 所以，波普艺术的出现，一方面给６０年代的美国艺术造成了其极的繁荣的局面，因为当生活和艺术这个最悠久最截然的区别被波普艺术一打破，美国艺术家还有什么不能做呢？他们不仅可以让绘画离开画布，让雕塑离开石头，他们而且还可以进入到任何非艺术的领域，甚至能让人的言谈举止、说话睡觉全都做成艺术。另一个更重要的方面是它对人心的改造特别大：当艺术什么都是或什么都不是的时候，人们还有什么必要去守规矩划等级呢？当观念上的束缚越来越少，人就越来越趋近自己的本来面目，活得自然，潇洒，放松。所以我们说，波普艺术揭示的新方向，代表的是一个全新的思想，表达了一个极其美丽的意思：解放你自己。 波普艺术的出现，从浅近的层面看，是以与抽象表现主义唱反调的姿态出现的：你抽象表现主义要抽象，我就偏要具象；你抽象表现主义重自我表现，情绪发泄，我却要冷静客观，不动声色……在所有的对立中，最显著的"对着干"是：你抽象表现主义讲高超、精美、脱俗，我却偏要庸俗、平凡、粗糙。我们知道波普艺术的"轰动效应"就是以画俗物为旗帜的，所有那些被抽象表现主义不齿的"下等"货色，如商品、商标、招贴画、新闻照片、卡通画等等，都成了波普艺术中的主角。这些波普艺术家嬉笑着把艺术从"宝座"上拉下来，互相比着让它变俗，谁俗得最彻底，就最成功。
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凡走红的波普艺术家无一不是在表现俗的题材上一鸣惊人的。利希滕斯坦（Ｒｏｙ Ｌｉｃｈｔｅｎｓｔｅｉｎ，１９２３－１９９８）以报纸上那种随看随扔的卡通画作为自己大幅油画的描绘对象（图７１）；印地安那（Ｒｏｂｅｒｔ Ｉｎｄｉａｎａ，１９２８－）以文字为描绘对象（图７２）；罗森奎斯特（Ｊａｍｅｓ Ｒｏｓｅｎｑｕｉｓｔ，１９３３－）吸取广告牌上的形象，画成他的大作品；沃霍尔（Ａｎｄｙ Ｗａｒｈｏｌ，１９２８－１９８７）喜欢用商品，用报纸上的照片作为他的绘画主体，他甚至都不直接动手画，而是一幅幅地印刷，有意让自己的作品象机器的产品一样（图７３）。由于他把艺术做得比别人更不象艺术，所以他的名气比其他人更大。
那些做雕塑的波普艺术家更有趣了，西格尔（Ｇｅｏｒｇｅ Ｓｅｇａｌ，１９２４－）直接就从真人翻模子；约翰斯（Ｊａｓｐｅｒ Ｊｏｈｎｓ，１９３０－）的两个跟实物完全一样的啤酒罐子成了波普艺术的代表作；奥登伯格（Ｃｌａｅｓ Ｏｌｄｅｎｂｕｒｇ，１９２９－）的"雕塑"是仿制食品--汉堡包（图７４）、三明治、冰激凌、苹果核……他甚至还把衣服夹子、电器插座做成巨大的纪念碑雕塑，赫然耸立在城市的广场上。然后，奥登伯格笑迷迷地对人说："绘画在镀金的和玻璃的墓穴里昏睡得太久了。现在要把它叫醒，让它到生活中去遨游了。给它一支烟，一瓶酒，穿了各种衣服，散着头发，纵声大笑……" 然而这种"俗气冲天"的艺术一出，却很得人心，不少波普艺术家们几乎一夜走红。约翰斯１９５８年的第一个个展，几乎所有的作品都卖出去了。奥登伯格１９６１年的一个个展--用粗糙的材料做成的食物仿制品，在纽约引起轰动，被观众一再要求延长展期。他们的成功惹得抽象表现主义者们很不高兴。１９６２年有一个一向给抽象表现主义者办展览的画廊主贾尼斯给波普艺术家办了一个展览，他的抽象表现主义的老主顾们气得退出他的画廊以示抗议。只有德库宁的涵养好些，他去了这个波普画展的开幕式，在里面看了一个多钟头的画，然后，不说一句话，走了。抽象表现主义者的气愤并不是无缘无故的，他们的成功是经过了艰苦卓绝的努力得来的，他们一直都在受穷，波洛克至死也没有摆脱贫困。可是这些年轻的波普画家轻轻巧巧就名利双收，这样的社会效应是抽象表现主义者们难以想象的，而且也不是能用"运气"二字简单概括的。 从根本上说，波普艺术并不只是简单地和它的前辈抽象表现主义唱对台戏的结果--象历史上的通常现象：以对前一风格的"反其道而行之"来做成新的后一风格。这一次，波普艺术反的不只是抽象表现主义的种种局限和狭隘，它反的是整个西方现代艺术的局限和狭隘，这一反，就反得深刻了。 可以这么说，抽象表现主义和波普艺术的对立是西方思想中两种价值取向的对立。一种是分别的，一种是合一的。抽象表现主义的艺术观代表的是西方理性传统中讲分析、重区别的立场，这种立场喜欢在事物之间划分出泾渭分明的界线，借助这些划分，世界有了等级，人便从等级中获得秩序和准则。抽象表现主义就是这路世界观的标准产儿，它把等级维护得极严：艺术和生活不同，生活是重复、因袭、功利的，而艺术是创新、灵性、超凡的；艺术的地位是在生活之上的，而且要尽量躲开生活的俗气，保持它的高尚纯美。这种对艺术的刻意抬举，对艺术和生活的严格划分，对人心有什么影响呢？那就是让观众、让非艺术家们觉得自己凡俗，需带了敬畏之心去看艺术和艺术家。这种心态扩大开来，就是让人接受权威，贬低自己，把自己的价值和自由拱手交出去。当人们普遍接受艺术和生活不同、比生活高级的时候，人们并没有意识到这种"等级制"对人心隐蔽的毒害。只有一个人看出来了，一个只有二十几岁的年轻人在将近半个世纪前，在提倡精美纯粹的现代艺术大红大紫的年头就看出来了，这个人就是我们在前面已经提到过的杜尚。 杜尚第一个看出，刻意让艺术不等于生活是人的愚蠢和狭隘，他嬉笑着拿一把尿壶搁到艺术的殿堂里，向所有的人发问："艺术为什么不能是非艺术？" 他不断地把生活中随手可得的俗物，如瓶架子、铲子、梳子都拿来当成他的作品，他这么做等于是在壁垒森严的艺术殿堂上开始挖墙角，搞破坏，成心要让这座庄严的殿堂轰然倒塌。只是杜尚的立场当时一直没有被人理解，因此他的手法也没有成为一个流派而传播。 到了６０年代，当美国艺术家已经把几乎所有现代艺术的手法都试过了，各种牛角尖也钻到头了，比如彻底的挥洒--画布成为行动的记录，彻底的简约--全白或全黑的画面，到这程度，艺术和生活分家也分得很清爽了--两不相干，各走各的"阳关道"或"独木桥"。事情到了这份上，杜尚提出的问题终于开始在美国艺术家心头徘徊：艺术为什么必须和生活是两样的？如果一样了呢？于是，美国艺术家试着让它们一样--敢想敢做是美国人的特点，这一试，了不得，他们发现了一个全新的天地。 从把生活中的俗物请进艺术开始，进而由物及环境，由环境到行为，在波普艺术之后，把环境作为艺术的"环境艺术"出现了，还有把事件和行为乃至思想作为艺术的"偶发艺术"、"行为艺术"、"观念艺术"，还有直接"圈地"的"大地艺术"，直接把生活常态作为艺术的艺术……都出现了。他们不仅在一个新的思路上创造出许多新的艺术方式，弄出许多新奇的名堂；更重要的，他们在艺术和生活合一的追求里，尝到了自由的真昧。因为合一的思想方式是让人取消分别的，没有分别，人将是生而平等的，艺术家和普通人是一样的，艺术家的不同只不过是他学得了一门技艺，却不能说他就比普通人有更多的创作性。所以我们说，合一的思想让人解脱。 由于这思想从杜尚来，波普艺术和所有其他追求艺术和生活合一的先锋派全都把杜尚当成他们的"祖师爷"。实在的，从那时直到现在，西方艺术任何一个革新的企图，都没有超出杜尚思想的涵盖范围。一个艺术家可以有这样长久的生命力，这样广泛的影响力，真是少见。我们知道，在现代社会中，无论何种形式何种理论，更新的速度都快得惊人，昨日的真理在今日可以成为谬误，今日的英雄到明日可能成为庸人，但杜尚却没有被超越。这是因为杜尚的艺术思想触及的层面实在太深刻，他看到的不是艺术风格的局限，而是人的思想方式的局限--分别心：一个永远的错误，不能翻案的！他用混淆艺术和生活为手段，优雅地轻笑着，推着我们进入一个生存的层次--无分别地活，完整地活，全然地活，自由地活。他是通过艺术向我们揭示了生存的本质，他是无法被超越的。所以当杜尚的生活等于艺术的思想被接受时，整个西方艺术的基础全被掀动了。 除了杜尚的真传，波普艺术另有一个来源是中国的禅宗。这事听来奇怪，其实毫不牵强，杜尚生活态度的本质就是禅。这并不是我们中国人要掠人之美才这么说，就是西方人自己也这么看。他们发现，杜尚和禅宗都是要叫人无分别心，无高低美丑的区别，生命只是全然而充分地活在每一项人生的活动、每一个具体的时刻里。只有到达了这个状态，生命才是自由和充实的。 禅宗对波普艺术的影响过程是有迹可寻的：从本世纪初开始，有一个叫铃木大拙的日本禅师经常往返于欧美向西方人传播禅宗。４０年代，当他在美国哥仑比亚大学开设禅学讲座的时候，有一个美国音乐家凯奇（Ｊｏｈｎ Ｃａｇｅ）从他那里接受了禅宗的思想：不起意，不动念，无分别，平常心。凯奇是一个很有创意的音乐家，他接受了这个思想后，立刻就在他的音乐创作上做了一系列试验--把生活中的声音放进乐曲中，甚至让一个曲子完全无声，演奏者只是在台上坐了四分多钟，不动一指，让观众在这期间去聆听自然之声。所有这些在音乐上的创作方式都是为了表达他从禅宗获得的立场：艺术可以是生活本身--这和杜尚的主张不谋而合。而凯奇恰好又是一个很活跃、很有能力的人，他除了创作音乐，也涉及美术、写作、戏剧等领域，他当然也把他从禅宗得来的思想传播到了这些领域，其中主要是美术领域，他一向和不少艺术家有交谊。在５０年代，当他在以教授现代艺术而闻名的艺术学院--黑山学院--任教时，把这个思想传播给了学生们。后来成为波普艺术主将的劳生柏（Ｒｏｂｅｒｔ Ｒａｕｓｃｈｅｎｂｅｒｇ，１９２５－）当时就是他的学生之一。劳生柏后来承认说，当他在５０年代开始把实物放进画面，来反对抽象表现主义的自我表现时，就是受了凯奇的影响--"不存在此物比彼物更好这种事实，艺术也不应该和生活不同，而是生活中的一种行为。"凯奇到纽约的一所"新学院"任教时，后来成为偶发艺术倡导者的卡普洛（Ａｌｌａｎ Ｋａｐｒｏｗ，１９２７－）是他当时的学生。卡普洛也告诉我们，他的偶发艺术的想法是直接从凯奇"生活是艺术"的思想来的。而劳生柏和卡普洛都是他们那一代艺术家中有影响力的人。因此，在美国艺术史上，凯奇从禅宗得来的无分别心的思想和杜尚的"艺术可以是生活"思想一起，推动了时代的潮流。 波普艺术是从劳生柏和约翰斯手中开始的，劳生柏是凯奇的学生，约翰斯是杜尚的"信徒"。因此，虽然他们俩性格和做派都不同，但毫不妨碍他们成为同志。他们两人从外州刚到纽约时，合用一个画室，怀着共同的理想画不同的画。劳生柏是一个热情洋溢的人，作画是即兴式的，铺张的，气派宏大的。约翰斯是一个不苟言笑的人，画出的画是冷静，理性甚至枯索的。但他们都想用自己的艺术来反对抽象表现主义夸张的自我表现。
劳生柏直接就用实物，他用拼贴、喷刷、石版、丝网印刷等手段把各种印刷品甚至织物集成在他的画布上，这些形象往往不尽完整，互相重叠，有时依稀难辩，几乎算得上"蓬头垢面"。但他的这种图象重叠、实物堆砌的画，信息量非常大，内容相当丰富，而且有一股横冲直撞、不拘小节的大家风范。比如他的"床"（图７５）就能代表他的典型的合成作品，他把实物--床袋--拿来挂在画上，再随便涂上颜色，就成为他的作品。劳生柏的这种"拿来主义"成为波普艺术家的习见手法。很多波普艺术家都是直接把生活中的物品拿来放进他们的作品中，这样，他们对生活的贴近程度当然超出了以往的所有艺术流派。
约翰斯和劳生柏不同，没有那么"恣肆横流"，他是内敛的。劳生柏的那些气度恢宏的画，多少还有些继承抽象表现主义的挥洒的做派，而约翰斯"照抄"实物的作品则更加完全地表达了他和抽象表现主义的背道而驰。他在二十五岁时完全不动声色地"抄袭"国旗和靶子的做法，后来也成了波普艺术作画的典型方式之一。他的这两幅作品就成了波普艺术的经典之作（图７６）。在他的这种似乎不肯费事、费心的作品中传达的是他从杜尚那里接受的思想：混淆艺术和生活。约翰斯觉得"人的思想太固定了，太执着于一点了。人们常常会看不出一个事实：那就是换一个角度去看原来的东西。" 劳生柏和约翰斯的艺术一出，鼓励了他们那一代的年轻艺术家们，因为他们都对抽象表现主义那种信手涂抹的抽象画厌倦了。那种画在众多的模仿者手中已经成为空洞的形式，失去了它原先充沛的元气和力量。甚至抽象表现主义者们自己也看出来了，并指责说，抽象表现主义成了"超越的空话，落在现实后面的图画"。而且，抽象表现主义太强调画家的自我，强调艺术的超越，走到最后，抽象表现主义者罗斯科甚至画出了全黑的画面，表达的是他认为的哲学终结论的视觉图象。让艺术表达这样艰深晦涩的个人体验，无疑是把艺术领到一条极窄的胡同中去。而劳生柏和约翰斯的艺术，以它的寻常生活面貌，让人耳目一新，它把艺术领向一个和每个人都发生关系的领域--生活，不免使人减少了对艺术的敬畏之心，因此它出现之后，几乎是一呼百应，蔚然成风。 它在５０年代末一出现就立刻取代了抽象表现主义的地位。它来得快而且声势大，出现了不多久，就被纽约的画廊纷纷接受，抢着为它办展览，把它推到了艺术舞台的主角地位。潮流来得这样快，以致于批评家们一时甚至找不到合适的定义来给它命名。他们称它为"新现实主义"、"新达达"，后来，一位英国批评家拿出"波普"（ｐｏｐ）一词来作为这种艺术的标签，倒是相当传神。"波普"这个字，在英文里原是指大众俗文化的种种东西，如广告、招贴、商标、卡通画、电视、橱窗、包装等等，这些都不是艺术，而恰恰是这个潮流中被请进艺术的东西，从此，这个称呼就被叫开了。 波普艺术这种轰动性的社会效应，可以被看成是一种时代的进步：人对自己的肯定得更多了--肯定自己的俗世生活，肯定自己生活的琐琐屑屑、方方面面、鄙夷高雅，肯定渺小。正是有了这种自我肯定、自我欣赏的底气，波普艺术家们才能做到把美国的瓶子罐子、箱子盒子、旗子靶子，件件视为宝物，件件有资格上台盘露脸。到了这份上，美国艺术家已经相当自如了，他们不仅已经完全超越了看欧洲人眼色行事的阶段，而且还超越了抽象表现主义时期那种拔高自己、患得患失的紧张，凡是美国的，凡是存在的，都是好的。到了这时候，现代艺术已经从移植变为深深地扎根在美国土壤上的本土植物，吸收的全是美国的养分。波普艺术这种大咧咧的、无所顾忌的气概，把美国艺术领向了一片极可观的开阔地，从此美国艺术史上最为可观的热闹也就开始了。 〔《美国艺术史话》第十二章完〕 January 21 崔自默VS马克——关于绘画中西融合的对话(一)崔自默[中国艺术研究院艺术创作中心画家、艺术史学博士] 马 克（Marc）[法国国际油画大师,马克·夏加尔的学生] 地点：北京坦博艺苑 时间:2007-11-14
崔自默VS马克——关于绘画中西融合的对话
(一） “绘画作为视觉艺术，我认为画面本身很重要，但背后的内容更重要，那反映出画家本人的创作心态和精神寄托。” “高级的交流，是不需要更多语言的，尤其是优秀的绘画作品，它们可以替你说话。” ——关于“知己”画家
崔自默：今天终于能与你坐在一起，来聊聊绘画了。 马 克：是啊，很好。 崔自默：有些事情看似简单，实际上做到并不容易，需要很多条件准备。比如我们的对话，都说了好长时间了，但总是忙碌，你又不常在北京，所以，看来不难的事情，却需要机缘、准备，才能实现。 马 克：的确是这样。我也很想坐下来与你谈谈绘画，交流你对中国绘画的经验、对西方油画的看法，互相学习，我觉得很重要。 崔自默：很多大事，都是由小事开始的。历史就是这样，其实，不可能都是惊天动地的事情。只要我们做了，当时做了，在将来，就会不断发现它的意义和价值。 马 克：当然。我们在生活中都是这样一些小事情，所以需要心态平和，对于一个优秀的艺术家尤其如此。 崔自默：关于中西绘画比较的问题、技法融合的问题，我一直在思考，这其实也是中国近现代美术界一直关心的一个问题，也属于一个大文化话题。我们今天可以从绘画技法的融合方面着眼，来谈一谈。 马 克：还有我们个人的从艺经历，也可以谈谈。个人的艺术道路，可以反映在画面上，同时也反映了一个国家、一个时代、一个艺术家的文化基础、创作思路和理论修养、艺术认识等整个过程。 崔自默：绘画的外在形式，反映画面背后的内容，了解背后，有助于挖掘更好的形式，完善画面的视觉美感。 马 克：绘画作为视觉艺术，我认为画面本身很重要，但背后的内容更重要，那反映出画家本人的创作心态和精神寄托。 崔自默：是的，通过画面，可以阅读到艺术家本人。我们经常遇面，很少说话，但我从你的眼神、精神、气象，可以阅读到你的内心世界。高级的交流，是不需要更多语言的，尤其是优秀的绘画作品，它们可以替你说话。 马 克：谢谢。你的画也一样，我能听懂它们在说什么。
（二）
“专心即专业。” “不做吃饭的工具，没有很强的职业性，才会挖掘出绘画的潜能，所谓的“天才”，才能出现。” ——关于“天才”的塑造
崔自默：谢谢。你是多大开始绘画的？ 马 克：我小时候并不是想立志做一名画家，而是想做外交官，到各地走走，看看，走上绘画道路是没有事先预料的。 崔自默：我也一样，我小时候是想当科学家，“学好数理化，走遍天下都不怕。” 马 克：我16岁开始恋爱，当时兴趣浓厚，一时画了很多画，全给了女朋友，后来还是分手了。 崔自默：现在你那时期的画还有留存么？ 马 克：没有了，找不到了，很可惜。 崔自默：在画家的作品集里，应该收入他早期的作品，有风格研究的资料性。我也很可惜，大学以前的几乎所有的文字资料都没有保留。小时候也写写画画，是兴趣使然，因为我父亲画画、写字，我母亲画花样、作剪纸，我跟着涂抹，在地上，在墙壁上，没有纸张可用，所以没有留存。 马 克：也很可惜。我想我早期的绘画一定是很幼稚的。可是从那以后，我注意自己保存自己的画，不乱扔了。 崔自默：画家早期的画，虽然很幼稚，但它刺激绘画的兴趣，是塑造天才的开始。 马 克：是啊，如果一开始绘画兴趣被打消，天才被忽视，那是很遗憾的，将来是成不了优秀画家的。 崔自默：我现在可以见到我在大学时期的一张油画，画的是荷花。当时兴趣来了，一画一晚上，不知道怎么画，就跟着感觉走。当时画了不少，风景什么的，可惜，只留一张了。 马 克：我对古希腊神话情有独钟，这是个小秘密，所以在16岁谈恋爱时，绘画兴趣盎然，兴趣是我最好的老师。 崔自默：我知道夏加尔是你的老师，他对你的影响如何？ 马 克：说来话长。我不是科班出身，基本是自学成才的。我的理想是做法国的外交官，最早到缅甸、柬埔寨，也去俄罗斯、日本等地，接触到东方文化，很受影响。我与夏加尔先生的认识，是在洛克菲勒公司的一次酒会上，之前神交已久，一见如故。可惜那时我还没把主要精力用在画画上，我们当时一起学俄语。他想象力极丰富，我去看他画画，不知不觉中得到不少教益。遇到一个好老师是很重要的。 崔自默：老师的作用很大，他可以发掘一个天才，也可以毁灭一个天才。当然，真正的天才是自己可以走出来的，是委屈不了、压抑不住的，比如你。 马 克：我也不是天才，只是在内心里我很热爱画画，这很重要。我从生活里发现素材，大量阅读图书，从里面激发灵感，没日没夜地画。 崔自默：我完全同意你的意见。我也不是科班出身，画画起初也不是我的学习专业。对于“专业”，我有自己的定义：专心即专业。不专心，不喜欢，不酷爱，就不是专业，只能是职业，是混饭吃的工具。 马 克：你说的太好了。不做吃饭的工具，没有很强的职业性，才会挖掘出绘画的潜能，所谓的“天才”，才能出现。 崔自默：“无心插柳柳成荫”，顺性，顺其自然，兴趣会不断地培养起来的。有了兴趣，才不会感到是应付工作，才会乐此不疲。 马 克：可惜现在的学院教育中，老师教学生不是培养他们的兴趣。学生画画不是画自己喜欢的画，而是画老师喜欢的画。这样画的东西，没有个性，也没有活力。 崔自默：学生如果不根据自己的兴趣和个性来画，就缺乏想象力，就枯燥无味，不久“灵性”就消失了，即便再坚持着画下去，也是画匠、混饭吃。 马 克：混饭吃就不能成就真正的大师。 崔自默：很多人不画自己喜欢的画，而是画别人喜欢的画，原因之一就是混饭吃。 马 克：学院教育让学生学会了技法，但却丧失了想象力。 崔自默：学生学习的方法太多，套路太多，框框太多，就没有了灵性，想象力被限制住了。“法执”，佛学里有这个概念，就是最后掉进了方法的陷阱，被脑袋里存在的各种方法给束缚住了，失去了自我。
崔自默VS马克——关于绘画中西融合的对话(二)
（三）
“我认为的‘神’，不是单纯的宗教意思的，也不见得有生命性，而是客观的一种能量、法则、超存在。” “所有高级的科学家，在他们最后的阶段，都会走向“神性”，是对自然宇宙的一种崇敬、敬畏，是对不可知的领域的一种科学态度。” ——关于“神”与“神性”
马 克：想象力非常重要。我们既要画可以看到的，更要画看不到的东西。 崔自默：看不到的东西，是想象力最丰富的部分，最有活力的所在。对画家本人如此，对观众和读者尤其如此。 马 克：我喜欢画神话，那里蕴涵无限的想象力。 崔自默：你觉得“神”是什么？带有宗教意味么？是有生命的东西还是纯粹的客观的一种“存在”？ 马 克：我认为的“神”，不是单纯的宗教意思的，也不见得有生命性，而是客观的一种能量、法则、超存在。 崔自默：我同意你的观点。在东西方，对“神”有不同的理解和赋予，不同的宗教有不同的名词体系，但最终都要面对自然、客观本体、宇宙规律。“存在”，可以包括所有这些形而上的东西，它与时间联系在一起。所有高级的科学家，在他们最后的阶段，都会走向“神性”，是对自然宇宙的一种崇敬、敬畏，是对不可知的领域的一种科学态度。 马 克：是啊，那是很难以理解的领域。我之所以对神话感兴趣，有这种不可知的原因。仅仅画可以理解的东西，可以看见的东西，是不能让人满足的。
（四）
“在绘画技巧上，没有所谓的东西方界限，如果一定说有，也不是绝对不可以跨越的。” “混沌的状态，虽然无可以把握的既定规则，运动不纯粹，但蕴涵着无限的力量和可能。” ——关于绘画技法的“界限”
崔自默：我发现你的画面技法很独特，是融合中西绘画技巧的，是你自己的一套。 马 克：哈哈，你看出来了，我对中国水墨很感兴趣，我把这种韵味，与油画的色彩结合在一起，营造一种神秘的气息。 崔自默：技法为我所用，才体现出技法的重要。 马 克：是的，技法要适应自己的画面需要。我发现你的画面也很独特，技法也不纯粹是中国水墨的。 崔自默：哈哈，你也看出来了，我既喜欢中国的水墨、诗的境界，也喜欢西方油画的技法、体系，因为各有所长，所以根据画面需要，要采取不同的方法，以效果为第一。需要、必要，是行为的基础，否则就是僵化、执着、顽固，就不能创新。 马 克：融合各种绘画技法，以画面视觉感为主要目的，以表达自己的心里感受为目标。我在日本呆的时间很长，画面上还有日本的绘画元素。 崔自默：这我注意到了，人物造型、色彩感，有日本的东西。凡高当年喜欢日本的浮世绘作品，对装饰效果也沉迷。那味道很好，可以丰富画面视觉美感。我也喜欢异域色彩、符号，有时也尝试。在瓷器上作画，我发现你的技法也很灵活，东西合壁。 马 克：手是为想象力而生的，怎么想，就怎么画。我每一天心情都很灿烂。 崔自默：心情“灿烂”，太好了。有表达的欲望，有表现的技巧，才会感受到这种无比的快乐。 马 克：准确。技法的培养，与想象力的表达是紧密关联的。我在熟悉油彩之后，接触到东方的水墨，那是一个神秘的世界，有自然的法则隐藏在里面，引导我去探索其中的奥秘。 崔自默：你打破了民族性，开始了世界性。“民族的就是世界的”，你觉得这种说法对东西方绘画技法的相互融合有局限吗？ 马 克：“民族的就是世界的”，这说法是合情理的，但在绘画技巧上，没有所谓的东西方界限，如果一定说有，也不是绝对不可以跨越的。 崔自默：我完全同意你的看法。技法是客观的、物质的，如何使用它们却是人为的、主观的，敢于打破界限，为我所用，才是创造力的表现。对于视觉艺术，视觉审美和审美心理、审美效果，才是最后的结果；拘泥于技法，阻挡自己的感受，打消自己的想象力，才是最可悲的。当然，习惯了某种表现形式，可以坚持，但并不意味着不可以突破它，不可以再使用其他技法。 马 克：绘画的技法，大家都可以使用。我借鉴了水墨的韵味，变化丰富，变幻莫测，把油彩这么表现，色彩就显示出特别的韵味和精神。 崔自默：这是属于你自己的技法，尤其适合表现你自己的题材，“神话题材”，增加了画面的悠久性、神秘性，像云、像水、像雾，飘忽不定，使目光随着移动，心情随着感动。 马 克：谢谢你的理解。 崔自默：如果单纯以固定的技法，油彩的，或者水墨的，不一定有这样的效果，也就不是属于你自己的技法了。 马 克：是的，让我回到过去，那肯定难以想象。 崔自默：纯粹的绘画技法，我觉得未必好。纯粹，也未必好，“有时”、“往往”。 马 克：单纯的东西，也很优秀，很高级，但缺乏了一种生命活力。 崔自默：这种思考更高级、细腻了。事实上，绝对纯粹的东西、品类，几乎不存在，很难生存。你绘画里的人、神，已经是东西方的完美融合了。 马 克：在远古时代，虽然有地区差异，应该无所谓东西方的吧，都是人类，尤其是人类产生之初，是一片茫茫。 崔自默：是啊，是混沌的状态。混沌的状态，虽然无可以把握的既定规则，运动不纯粹，但蕴涵着无限的力量和可能。在你的绘画里，就有这种混沌的成分存在。飘忽的油彩，有神秘感，有壁画的剥落效果，有历史感，空间和时间感，有了“神性”。 马 克：谢谢你，你是我真正的知音。我走了这么多国家，这么多年来，只有当年法国一位雕塑大师读懂过我。我没有想到，在中国当代的艺术家中，你能理解我的绘画，你不仅仅是一位属于中国的画家，你对西方绘画也很熟悉。 崔自默：我喜欢读西方哲学史和美术史，各家的东西我都喜欢，都欣赏，他们各有所长，尤其是那些独到的大师，有创造力的大师。他们的突破，不仅仅是在技法上，而是在思想上、精神上这更高的层面。 马 克：是啊。是东方的水墨韵味给了我启发，是东方的神话和西方的神话给了启发，是生活给了我启发，是灵感和想象力给了我启发。 崔自默：所以，你是表现东方神秘世界的西方绘画大师。 马 克：谢谢，“表现东方神秘世界的西方绘画大师”。 崔自默：你画面上部分的混沌、不具体、模糊，与部分的细节、具体刻画、细致表现，形成鲜明的对比，有壁画效果，那种韵味很有魅力。 马 克：再次谢谢你，你是我的知音。 崔自默：我经常去敦煌，观摩那里的壁画，我觉得你亲自去时，一定会触发无限的创作灵感。 马 克：是啊，我画过很多佛像，对壁画也极感兴趣。我很想去敦煌，下次我们一起去学习。 崔自默：一定，那一定是极美好的感受。 马 克：我等待着这美好的时刻，与你一起去学习中国最优秀的绘画经典。 崔自默：你画面上携带着壁画的气息，有“剥落感”，增添了画面的可读性，有余味。中国的哲学著作《中庸》里讲“尽精微，致广大”，你对鸟类、人类、神类的细部描画，是“尽精微”；大面积的混沌处理，表现出时空感、神秘感，是“致广大”。
（五）
“艺术的意义，一方面是自娱，另一方面是娱人。作者在塑造作品、塑造读者，同时，读者也在塑造作品、塑造作者。” “太好了！这就是‘道’。” ——关于绘画中的“道”
马 克：未知的领域，可以给读者以充分的想象力，这也是绘画艺术的魅力来源之一，可以不断挖掘。 崔自默：我完全同意，绘画艺术的“完成过程”，不仅仅属于作者自己，还必须有读者的“参与”，作者要事先预料到读者的审美感受、审美心理。 马 克：是啊，只是面对同一件作品，不同的读者会有不同的感受、不同的理解。 崔自默：那是当然的，“一千个读者会有一千个哈姆雷特”，同样的文本因为不同的读者会制造出不同的释读结果，这再度证明艺术的无限魅力。假如作品单薄、乏味，就失去了这样再创造的机会。 马 克：但愿我的作品给人以快乐，给人以想象。 崔自默：你的作品已经做到了，我要向你学习。 马 克：你的作品也已经做到了，我要向你学习。 崔自默：哈哈哈。艺术的意义，一方面是自娱，另一方面是娱人。作者在塑造作品、塑造读者，同时，读者也在塑造作品、塑造作者。 马 克：太好了！这就是“道”。 崔自默：哈哈，你对“道”也有研究？ 马 克：我感兴趣，那是很高明的东西，里面包含着无比复杂的内涵，什么都可以包含在其中。你能不能给我写一张书法，写“道”字。 崔自默：当然可以。“形而下者谓之器，形而上者谓之道。”与你聊东西方绘画的差异、技巧、融合以及画面之外的“存在”，就是“形而上”的所在，就是“道”。 马 克：真是太高兴了。 崔自默：我一会再给你写一张字，叫“油彩墨韵”，你是融合东西方绘画的使者、大师，向你致敬。 马 克：我们彼此致敬。
来源: http://www.cuizimo.com/Article/Class32/dhxm/200711/20071121163941.htm December 28 马克履历马克·安托万·斯科希尔费奇，就是我们所知的马克，出生于一个有着悠久历史的家族。斯科希尔费奇家族的历史可以追溯到12世纪早期，由德国刚搬到意大利的热那亚的时候。12世纪中叶，罗马教皇册封这个家族为贵族。 马克出生于1943年2月26日，法国巴黎。1945年，全家搬往了法国南部的Eze Bord-de-Mer，而他家的La Bannaneraie宾馆就离此不远，1951年，又新开了Le Cap Estel宾馆，自此，这个家族就在这里代代相传下来。
Le Cap Estel宾馆位于地中海海岸的悬崖边上，在尼斯（法国港市）和蒙特卡落（位于摩纳哥）之间，周围壮丽的景色毋庸置疑地成为支撑马克强烈艺术爱好的灵感的秘源。
马克的家庭生活稳定而又自然，其中又混合着和宾馆的常客与朋友的交往，这些名人如肯尼迪家族、Pompidous家族、劳伦斯·奥里沃先生、大卫·尼温先生、查尔斯·卓别林先生、Great Garbo、安东尼·奎尼、阿兰德龙、吉纳·洛罗布里吉达、摩纳哥的伊斯兰教徒的女王和格雷斯公主，使得马克的这种成长氛围独一无二，也使马克从青少年起就蒙受他们的光辉。在这儿，他认识了他的邻居Marc Chagall。这一特殊的经历似乎帮助了他拓宽了他未来的人生更多的可能性。
正规教育 法国巴黎，Beaux Arts学校学习，建筑专业，学习一年。 法国巴黎，Camondo 装饰博物馆装饰学校，学习六个月。 1960至1968年，巴黎大学学习，获经济学学士学位。 1961至1968年，东方语言学校学习，获中文、俄文学士学位；1970年，获得老挝语学位，并荣获第一。 在法国巴黎大学学习了艺术史课程。
艺术生涯履历 1962年 与披头士（甲壳虫）合唱队，尤其是和合唱队成员George Harrison及其经理Brian Epstein二人建立起珍贵的友谊。 在圣保罗(法国)的 “La Colombe d’Or”饭店与David Rockefeller和Marc Chagall相识。David Rockefeller在这里委托马克先生为其在N.Y.C（美国）的洛克菲勒基金会创作一幅重要的油画。 1964年 在Andre Malraux家中与其及其儿子Alain相识。
1965年 在Meurice旅馆与Dali和Gala相识。
1968年 在法国驻老挝大使馆工作；在Luan Prabang师范大学教授法语；同第一任总理发展友谊，协调外交部长与国会之间的利益关系。
1969年 任法国外交部长Maurice Schumann外务大臣秘书，协调外交部长与国会之间的利益关系。 1970年 他第一次驻留日本，时逢the Master Okamoto Taro，两人同日出生，并共庆生日多年，交情甚深。马克还购买了Okamoto在法国出产的绝大部分平版制品。 自学蛋彩画与日本式的传统绘画风格。 与一同旅游过的音乐家Sakai Masaaki 和 Hamaguchi Kuranosuk 建立终生友谊。在大阪Bampaku国际博览会上，马克先生与索尼总裁Morita先生相识。
1971年 马克去印度旅行，在那儿对在织物上作画的技术产生了兴趣。
1972年 开始油画创作。这段时间在日本、法国里维埃拉和意大利度过。 在Monte Carlo与Rudolph Nureyev成为朋友, 两人对于纺织材料有着共同的爱好。Nureyev把马克推荐给Yoko Morishita，并将他带入舞蹈世界。
1974年 在里维埃拉得以完善他的油画技术，达到具有透明性、流动性的地步，把东西方绘画技术与文化结合起来。 在Cap-Estel与阿曼的Sultan Quaboos 陛下相遇，在那儿，马克驻留了一个月。经Sultan Quaboos 陛下介绍，马克与Muneo Yanagisawa建立了“Nihon Oman Kyokai”的友好关系。 在Monte Carlo与Davi Sukarno（印尼前任总统的夫人）相识，二人之间的默契与东西方的经历的基础上，使双方建立了长久的友谊。 与制陶业的总裁Kei与奔驰公司的总裁Yu Fujiwara相识；与因制漆而闻名Wajima的Tadashi Inami相识;与工于时尚景观画的著名油画大师Shinichi Saito相识。 这些艺术大师使马克萌发了一种居于他个性艺术风格与禅学之间的关系意识。 在Cap Estel同来自Ohara-Ryu的Natsuki Ohara 及其姐妹Wakako Ohara相识。 与Jakoin寺庙的修女成为朋友。在这儿，他安排过法国外交官Brunet夫人与Raymond Barre先生会面，安排过Brunet夫人与Raymond Barre先生、Bernadette夫人，以及Jacques Chirac先生会面。
1976年 帮助摄影家Sanjiro Minamikawa创作《80年代画家在他们的工作室》一书，此书在《朝日新闻》出版。
1977年 在意大利Como的Ratti，马克开始在丝绸上创作限量版绘画。这些技巧后来被法国、日本、美国的著名时尚设计师应用到高级女式时装，如皮尔·卡丹、 Pierre Balmain、Guy Laroche、Hanae Mori、 Cynthia Bardes in Haute Couture等。 经Takako Shimazu 介绍认识Moriguchi Kako这一和服设计大师。这位大师所使用的颜色给马克留下了深刻的印象。
1978年 在Vico del Arte (Firenze, Italy)举办个展，由他最好的朋友、画家Alain Bonnefoit组织。马克与钢琴家Alexis Weissenberg相识。
1979年 在日本大阪和京都Daimaru(大丸)美术馆首次举办他的一年一度的“巴黎学院画展”。
1980年 他的作品每年必参展的“巴黎学校画展”的首次参展，这一画展已历经数年，此年在Fukuoka的Daimaru(大丸) 美术馆举办。 为荷兰飞利浦公司设计了一套唱片护套。 为大阪Seiryu 宾馆（Kurokawa Kisho设计建筑）创作题为“亚欧会议”的壁画（6m×4m）。 开放他在美国纽约伍德斯托克的永久画室。
1981年 在京都与Akira Yamazaki总裁，在Tajimi（多治见）与Masahiro Iwao总裁学习中日古代制陶术。在中国上海建立丝绸活跃工作室。与上海丝绸公司建立起对于这种濒临失传的技术的互换关系。 1982年 在东京渋谷美术馆举办个展。此次名为“马克的梦想世界”的展览引起了社会各界的一致好评，反响巨大。 在美国旧金山一家美术馆举办个展。 为东京、大阪和京都的“Tachibana Ten”展览举办漆器和陶器艺术个展。
1983年 在日本奈良Kintetsu美术馆举办名为“马克世界”的个人画展。 在Pinton画室完成奥步松壁毯的创作。参加瑞士Rodolphe Tissieres先生组织的题为“Enfants d’ici, enfants d’ailleurs” 的Verbier 慈善展。在美国纽约、芝加哥、迈阿密、旧金山和华盛顿举办丝绸画服饰展。
1984年 在达拉斯、费城和迈阿密的私宅里举办丝绸画服饰展。 为Oriono Izumi 医院创作名为“Amaterasu No Omikami Tanjo”（太阳之神的诞生）的壁画。
1985年 在福冈Daimaru(大丸)美术馆举办个展。 在意大利锡耶纳举办油画及丝绸画服饰个展。 同意大利设计师Trussardi先生相识。开印艺术和诗歌书籍《爱与永恒》，此书收集了他在此之前的所有作品，共353页，京都 Shoin, 京都艺术出版社出版。 在日本神户Kaibundo美术馆举办油画与陶瓷画个展。 在法国买下电影城堡，将之改装成一个活体博物馆和亚欧文化交流中心。
1986年 在日本京都《京都报》上举办展览。 在法国巴黎“Galerie d’Art Place Beauvau”举办个展。
1987年 在德国慕尼黑，Benow美术馆举办个展。 在中国北京创作了一系列织画和地毯油画作品。 从师越南法裔艺术家Lebadang，学习在手工纸上创作的凸版作画技术。 在非洲旅行时与Yves Marguerat相识。在非洲，马克开始帮助无家可归的孩子们建立“Appel”学校。他所属的The Izumisano Minami Ratary，也于1995年、1996年提供了此项帮助。
1988年 马克在日本Matsue（松江）（松江）举办个展。 在美国旧金山和纽约的Magna美术馆举办个展。 开始在世界各地挑选来的大理石上进行创作。 在纽约举力他的油画服装展。洛克菲勒先生、福特女士、范德比尔特女士和爱玛仕女士购买了他的服装。. 与作曲家歌手Tanimura Shinji见面。
1989年 在大西洋城市、丹佛尔和旧金山的Circle美术馆举办个展。 在日本鹿儿岛三越美术馆举办个展。 在东京索尼银座大厦举办题为“艺术与建筑空间”的个展。这是第一次使用整个索尼大厦举办马克个展，包括两个丝绸移动手机动力学雕塑。为纪念法国革命两百周年，马克在日本大阪Hankyu Five美术馆举办个展。 为庆祝涉谷文化村开业，马克在东京举办个展。 东京涉谷文化中心取得了巨大的成功。 在美国匹兹堡与圣地亚哥Circle美术馆举办个展。 位于神户的Portopia宾馆购买了马克的油画“爱的诞生”(153×122cm)。这幅力作在画廊出展。 挂毯“河流之爱”(246×200cm)由马克的同名油画创作而成，制毯人是当代著名织毯制作者Yvette Cauqui-Prince。
1990年 在法国巴黎“Galeries d’Arte de la place Beauvau”举办个展。 在东京“Art Expo”举办个展。 印刷出版艺术与诗歌书作《自然与爱》，是马克1985至1990年的绘画作品集。 在美国纽约的Jacques艺术馆举办个展。
1991年 在东京国际艺术展上举办个展 第一次，将他在丝绸世界里的绘画风格运用到了玻璃上。这次展览是和来自Murano的大师吉恩·卡洛女士以及Francoise Cortese工作室合作的。 在Ashiya（日本）的Di Lei画廊和来自菲律宾的Batette Aquino共同举办了服装秀。 在高岛屋日本桥（东京）举办了大规模的展览。
1992年 在福冈 “Iwataya”画廊举办个展。 在香港议员俱乐部举办个展。 在用日本能登紬制成的日本和服的宽腰带上进行创作。 在横滨Sogo画廊举办个展，该展览的作品均是在和服的宽腰带上创作的。 在东京的三菱纺织公司进行丝绸画的创作。 在玻璃上的广泛的创作产生了各种各样的物件，包括酒瓶、酒杯、花瓶雕塑、香薰炉和盘子。 通过他的朋友Michele Venture，他来自于西班牙马略卡岛帕尔玛的Erte相识。
1993年 在大阪大丸, 心斋桥举办个展。 在京都大丸举办个展。 在牙买加金斯顿参加团体画展。 在猪苗代开了一家名为Listel的饭店，里面陈设有140件原创作品以及瓷器。 在La Napoule（法国）为“L’Oasis”饭店作装饰。 为了联合国儿童基金会慈善事业，在《每日新闻》报业的Kosetsu博物馆创作了cha-do-gu (茶艺品)。
1994年 九月份在京都文化博物馆举办展览。 他的以印度尼西亚为题材的名为Rangda and the Three Graces的画（195×130cm）在安格尔沙龙（安格尔，法国人）举办展览。 参加迈阿密（美国）“艺术博览会”展览。 在伦敦哈洛斯（英国）举办展览，这些作品都是画在床单上的。 在山科（日本）进行漆器上的创作，其中运用了金叶和金粉。 在东京三越新宿举办展览。 与小提琴家Ivry Guitrys开始了友谊。 同时与盐月先生和熊女士以及茶艺大师千家森的姐妹和侄女开始了友谊。 参加了新加坡歌剧院的开幕展览。
1995年 在中国常州进行卷轴物的创作。 在巴厘岛（印度尼西亚）进行丝绸、床单和桌布画的创作。 在京都大丸举办个展。 在姬路市和富士山市（日本）的文化中心举办个展。 在Seitohara开了一家名为Sansuite宾馆，在这里马克的画、瓷器与玻璃器皿永久展示。 在名古屋三越（日本）举办展览。 为草津城Hiryohojin Seikokai草津康复中心创作了一幅壁画，名为“Hanataba to Umi”(230×120cm)。
1996年 在Ochiya画室，马克在来自岩手的漆器上进行创作。 与Seiji Kagari大师用柿油墨染和土染技术一起在手工纸上创作。 在宫崎的福冈神社和加登博物馆举办个人展览，他的作品在这两个地方将被永久陈列。 在大阪大丸心斋桥（日本）举办展览。 与Petrovic参加在东京举办的名为“lf Netwrk Yume Kobo”的慈善展览。 参加名为“画家的挂毯”展览，展览包括夏加尔，恩希特，康定斯基，克利，毕加索的作品。其中一幅他的作品在軽井沢（日本）的莫西亚博物馆展览。 被任命为Automne沙龙亚洲国家画家的代表。 为了纪念Ise Jingu神殿建庙2000年，马克举办了一个名为“日本神话”的展览，组织这次展览的这个城市里有马克创作的一个雕塑。“太阳的女神”和“Amaerasu Oomilami”被这座神殿典藏。
1997年 3月，法国马克的挂毯作品与夏加尔，毕加索，恩希特，保罗克利的作品一起在比利时皇家现代艺术博物馆展出，6月~7月在法国Le Mans 博物馆展出。 1997年马克为香港的中国俱乐部创作了7幅尺幅为300cm×90cm的作品 ，出售作品的款项捐献给了中国医学慈善代表团。
1998年 把作品《爱的光辉下的五级宝塔》捐献给山中Dewa Sanzan寺庙。 马克为东京的Kashiwagi Nusery医院创作直径为350CM的圆形天花板壁画。
……
2007年 马克来到中国，在北京坦博艺苑、北京坦博艺术中心的三个画室进行关于中国风景、人物、花卉、中国神话以及北京奥运等极具中国特色的文化历史题材的创作。 其中包括在丝绸作画、瓷器（来自中国著名瓷都景德镇）作画、石雕、油布作画等广泛载体上的艺术创作。 法国国际油画大师马克先生简介以具象、抽象风格相结合的“色彩诗人”，国际油画大师马克（Marc Antoine Squarciafichi），出生于法国名望贵族。因双亲为著名酒店“La Bananeraie Hotel”与“The Cap Estel Hotel”的东主，其从小就与摩纳哥王妃嘉丽丝姬莉、阿兰德龙、肯尼迪家族等政、经、文各界重要人物为伍；酒店所依傍的海滨风景则成为其艺术创作不竭灵感的秘源。
马克师从杜飞、夏加尔（夏加尔是毕加索的名徒），又因环游世界，广结名士，并潜心研习多国传统与现代的各类艺术创作，而使其绘画风格集大成却又独树一帜：无论在漆器、瓷器、大理石、丝织物、玻璃、挂毯、油布等何种材质上创作，他都能将东西方、古现代的作画技巧融会贯通，并一以贯之地赋予画面透明与流动的艺术感受和浪漫丰厚的诗韵才情，表现出各种关于自然、音乐、爱与生灵，以及由此展现出来的非同寻常的高度精神境界的主题。如，马克所创作的“日本神话”系列，将呼唤爱、和平与真、善、美的日本神话精神重新播种到因受战争创伤而即将忘却自己宝贵民族文化遗产的日本人心间，也因此，马克被日本文艺界高度赞誉为“现代的Fenorosa”（明治时期美国的日本美术研究家，被称为“日本文化的恩人”）。
经济学学士毕业的马克25岁时即为法国驻老挝外务大臣秘书，之后转向艺术创作。四十年间，他奔波转辗于亚、非、欧、美各洲的十几个国家为几十座城市进行创作与展览。仅从1978到1997这二十年间就成功举办过大大小小的画展不下一百次。其间最为著名的如： 1983年在美国纽约、芝加哥、迈阿密、旧金山和华盛顿举办丝绸印画服饰展。而此前，马克的绘画已为皮尔·卡丹、 Pierre Balmain、Guy Laroche、Hanae Mori、 Cynthia Bardes in Haute Couture等多家著名时装品牌的设计师们争相采用。 1989年，东京索尼银座大厦为他举办题为“艺术与建筑空间”的个展，这也是索尼总部首次利用整座大厦为个人开展。 1996~1997年仅两年内，马克的作品就多次与夏加尔、恩希特、康定斯基、克利、雷戈尔和毕加索等人的作品一起展出，如名为“画家的挂毯”的展览，又如比利时皇家现代艺术博物馆的画展等。
此外，马克还坚持为社会慈善事业努力奉献，如： 1983年，参加在瑞士韦尔毕耶举办的题为“Enfants d’ici, enfants d’ailleurs” 的慈善展。 1987年，在非洲开始为无家可归的孩子们建立“Appel”学校。 1993年，为支持联合国儿童基金会慈善事业而创作的cha-do-gu (茶艺品)在日本《每日新闻》下属的Kosetsu博物馆展出。 1996年，参加为建立残疾人慈善基金而在东京举办的名为“lf Netwrk Yume Kobo”的展览。 1997年为香港的中国俱乐部创作了七幅尺幅为300cm×90cm的油画，油画出售的款项捐献给了“微笑行动中国基金”。 …… 总之，这位精通法、英、日、意四国语言、在全球设有七间个人画室的法国艺术天才，因其环游天下、师承天下、心怀天下、创作为天下而被誉为“man of the world”（“世界之人”）。可以说，“艺术无界”在马克的身上体现的最为生动！
香港媒体评价马克先生＂man of the world＂有“色彩诗人”之称的法国艺术家Marcestal,近日假中国会举行画展,更捐出了部分作品作拍卖用途,善款将拨捐“微笑行动中国基金”。 当日的画展酒会出现了多位艺术同类,而“微笑行动”的总干事黄影甜亦邀得多位名人包括张浚生、赵会学韫、董温子华、美国领事Sunny Busa等担任剪彩嘉宾。 在法国南部土生土长的Marcestal,是典型的法国男子，热情开朗却有点神经质，一开口却又有种“世界性”的幽默感。他的双亲原来是两间著名酒店“La Bananeraie Hotel”与“The Cap Estel Hotel”的东主。 这两间倚着地中海，位于尼斯与蒙地卡罗中央的酒店，是欧美名人旅游旺点，这位艺术家一直便跟一群响当当的人物为伍，如摩纳哥王妃嘉丽丝姬莉、阿伦狄龙、甘乃迪家族、罗兰士奥莉花等。 其后他经常环游世界，更会在日本及中国居住过一段长日子，难怪他给人一种Man of the World的感觉。 Marcestel曾学过日文与国语，识听识睇中文，至于识唔识讲便见仁见智。因为这位法国艺术家在酒会上，居然朗读了五分钟的国语演讲，我是有八成听不懂，不过张浚生经常面露微笑，似乎有八成明白，究竟是张社长在维持社交礼仪，还是我的普通话太差劲呢？ 伟大的凡高作者：王瑞芸（《通过杜尚》） 画家凡·高的个展一九九九年二月在洛杉矶美术馆开幕。两年前，消息就放出来了。惹得许多人“翘首以待”。等待是一种能量，而且和时间成正比。积蓄两年的等待，能量是惊人的。等到那个红头发的荷兰疯子终于姗姗地来了，洛杉矶经过，以为洛杉矶再度发生暴乱。 买画展的当场票是免谈，就是事先定好的票，并且在指定时间去，也得排上个把小时的队，在加州著名的骄阳下先尝一番暴晒滋味。终于盼到进馆，观众身挨着身，被身穿制服腰束宽皮带的警卫拦羊一般，拦在一道警戒线外，逶迤挪动，管你是谁。当然，这点小麻烦，比起我们马上就要瞻仰的那位伟人有生之年忍受的身心孤苦，实在不能算什么，一切牺牲献在凡·高这座祭坛前都不会过分。等终于挨进馆去，方知道两年里积蓄的能量和最后在门口的冲刺阶段对身心的调整实在有效，不等着画幅来教育我们，所有站着的观众在内心里全都已经匍匐在地，诚惶诚恐地吻着凡·高沾满颜色的肮脏鞋尖。凡·高的每一幅画前围满了眼神恍惚的观众，在崇拜的有色镜前，这个一百年前最卑贱的家伙的每一张画此刻都散发出宝石般的光芒，惹得人人嘴里啧啧有声，包括一些他在摸索时期的习作——软弱，苍白，风格还不凸现。 人的命运可以差别很大，有些人顺遂平庸，一生没有大痛苦和大快乐，有些人蹉跎起落，喜是大喜，悲亦大悲，但是像这个红头发的荷兰画家经历的起落幅度大概举世无双。活着，他孤苦，无着，遭人吐弃，只能靠了他弟弟的赡养为生——男人的大耻辱。他亦自称自己是“最下层的最下层”（I am low of the lowest）。他的画，人都不要看，成千上万比他平庸一百倍的画家在市面上畅通无阻，丰衣足食。凡·高一忍再忍，忍无可忍，最后失常自杀——死得活该！ 可是这个人的生命在肉体消失之后居然还没有完，一百年中，他的命运从谷底翻上来，节节上升，出类拔萃：在他前面的毕加索个展，你可以从洛杉矶美术馆买到当场票，而且票价比凡·高的便宜。而毕加索不过是让观众站着敬仰，凡·高却是叫观众匍匐下跪，五体投地。“哦，让我们在他燃烧般的笔触中融化了吧！”——随展录音带中一个深沉的男音这么号召着观众。浓重激越的画面，催人泪下的解说，蚁聚失措的观众，无一不让人体会到凡·高的伟大，艺术的辉煌，凡夫俗子的渺小。世事多么无常，可是我们多么有幸，在我们的有生之年让我们遇到了凡·高的个展——一个险些被历史抹煞得无影无踪的艺术家。 我们不仅要问，这个一百年有最卑贱的家伙，怎么会达到这样惊人的高度呢？是因为他画得太好，他的画太有革命性，前卫感了？可我们知道，艺术史上如他这样在风格上有突破性的艺术家哪里就会只有他一个。是他的命运太凄惨，个性太突出，人生太坎坷了？可是，古往今来忍饥挨饿，遭人白眼但桀骜不驯的艺术家也不罕见。（更不必提中国艺术家在某个时期甚至还会遭受铁窗，逃亡，人鬼不像的生活了。）于是，且慢，让我们从匍匐在凡·高脚下的人群里爬起来，站开，然后冷静地看一看凡·高到底是什么。 这个人，二十来岁开始作画，画得不好不坏，但颇有性格；后来，他迷上了印象派，迷上了用强烈的原色作画，后来甚至用近于震耳欲聋的颜色画画，因为这样，他的画与众不同，画面大胆热烈，嘹亮激越。他的画委实值得被我们买来挂在客厅或书房里，艺术史也应该为他留一席之地。但除此之外凡·高还有什么？他作为一个画家的本质全在这里了，不可能更多了！他从来就不应该是卑贱的，也不应该是吓人地伟大的，他只是一个粗笨的、坚持了自己立场的画家。真要说他有什么惊人的不同，只在于，他的本质居然能够三番五次被曲解，而且是严重曲解——他失意的时候，他的卑贱被夸张了，他得意的时候，他的伟大被抬高了。 显然，凡·高这个人物是由两个方面构成的，他自己只能是凡·高的一半，另一半是他从未谋面的成千上万的公众。没有一百年前公众对他的冷落、漠视，鄙夷（无条件的），他悲剧性命运就无法成立；反过来也一样，没有一百年后公众对他五体投地的崇拜（也是无条件的），他举世无双的辉煌也不得成立。所以我们万万不可糊涂，竟没有意识到“伟大的凡·高”中有我们（公众）的血肉。所以，我们看凡·高，为什么只把眼光单方面军地投向他，而且一厢情愿地让他的伟大来反衬自己的渺小。不要犯傻，我们其实比他强大百倍，我们可以逼他死，我们也可以让他再生，让他伟大，而且——只要我们愿意——让他伟大到无以复加。 因此，凡·高算不了什么，历史又不是凡·高创造的，是我们创造的，他是卑贱的，还是伟大的，得由我们说了算，他要是个什么，得通过我们的认可、推动、渲染、助虐。 由于我们的参与，整个人类历史变得多么有声有色，可圈可点：有些人是卑贱的，有些人是伟大的，有些人是吓人地伟大的。我们都有些虐待狂，我们也都有些崇拜欲，隔三差五，我们就得找出些人来，或者放在脚底下踩一踩，或者举到头顶上供一供，不然，生命够有多么厌气，岁月也过于乏味平常。然而，这没有什么，人类就是这么一路闹嚷嚷过来的，人之为人，如此而已。 只是担心，长此以往，人看人都变形了，人看事都虚妄了，渐渐地，人就把自己的首尾都忘了。于是，冥冥之中，有一个声音会说： 丑陋的人类！ 世界名画赏析《圣斯蒂芬在耶路撒冷布道》 卡尔帕乔 画中描绘圣徒斯蒂芬在耶路撒冷广场当众布道的场面。 构图上群众和背景建筑群平分画面，居高演讲者斯蒂芬使人群与建筑群相联成一个艺术整体。画家以多样的情态姿式揭示不同人物的个性面貌，但都统一于信仰的向往与追求。斯蒂芬站立的姿式，高贵神圣而庄重，右手指向天，寓指上帝，左手捂胸，寓指我是属于上帝的；一切听从主的旨意。  《圣贝尔纳的幻觉》 菲利皮诺·利皮 菲利皮诺·利皮人物造型坚实厚重，利皮的造型极富质感和量感，圣贝尔纳的长袍衣褶厚重而具雕塑感，仿佛身着大理石僧袍。在这幅画中，小利皮已尝试夸张拉长人物形体，人物配置和构图向非现实方面探索，已可见开始偏离现实主义传统。
《奏乐天使》只是他壁画中一个局部人物形象，从中可见他写实的功力。 《维纳斯诞生》波提切利
《蒙娜丽莎》 达芬奇 画家在这一幅圣经寓意画中表现了“天意”与人在改造世界时的不可调和性，人与自然的斗争具有英雄气魄，同时也充满悲剧性。 在圣经故事中，耶稣对法利赛人说：“他们是瞎眼领路；若使盲人领盲人，二者必皆落入坑中。”尼德兰民间谚语也说：瞎子牵瞎子，一起倒霉。一队富有个性和自以为是的瞎子，毫不怀疑的搭肩而行，可是盲人一无所见，还是执着地盲目地走着自己的人生之路，只要为首的一个倒下，后面的一群都必将落入坑中，由于他们弄不清究竟是谁之过，也只好互相埋怨了事，这是画家对人类命运发出的一个警告：一个国家、一个民族决不能由盲人来引路，否则必遭大难。
安格尔一生追求和表现理想美，十分迷恋于描绘女性人体，在他的笔下，每个人体都画得圆润细腻，健康柔美。《泉》是安格尔众多人体艺术中最杰出的一幅，少女的造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则，但更为细腻微妙。安格尔把他心中长期积淀的古典美与写实的现实美完美地结合了起来。这幅画的奥秘在于画家表现了人体姿态从不平衡向平衡的变化，抓住了人体内部力的微妙关系，即左倾斜的双肩和向右倾斜的胯部、向上的用力和向下倾倒的水罐，前趋的右膝和后绷的左腿都体现了力而打破了平衡。 丢勒游历艺术之邦意大利最大的收获，是对人体艺术的兴趣，自27岁以后，他曾竭尽全力去探索男女人体的完美比例，从古代希腊人体艺术中悟到了真谛，并融化于自己的人体艺术创造之中。《亚当与夏娃》采用祭坛屏板的样式，将亚当与夏娃分别画在两块竖板面上，人物形象顶天立地充满画面空间，形成独立的两幅男女裸体像。
《圣乔治杀龙》 鲁本斯 据基督教传说，圣乔治原来是一位殉教者，生活在公元前3世纪，他因杀死一条恶龙，搭救出一位女子而被后世人传颂为英雄。这个题材很多画家画过。在鲁本斯的笔下圣乔治被描绘成一个英武勇敢的骑兵，正挥剑猛砍凶猛恶龙。腾起回首的战马处于亮区，壮健勇猛的身躯显得格外醒目，成为视觉的中心形象，身着深色战服的圣乔治驾驭马上，居高临下势不可挡，更显其英雄本色。
《三美神》鲁本斯 《圣马太的召唤》 布吕根 耶稣被捕后受到严刑拷打，罗马帝国地方行政长官判他死刑。为了讽刺他想当犹太王，就用荆棘为他编制了一顶王冠戴上，又脱去他的衣服换上一件国王穿的紫红色长袍，示众后钉死在十字架上。画中色彩安排很讲究，紫红色、银色、绿色、白色和黄色交混在一起，灿烂夺目，然而极不协调。画面产生的光感效果是激荡不安的。此画既继承了威尼斯画派的传统，又形成了自己的新风格。它是画家由意大利风格向自己独特风格转变的标志。 洛兰在绘画上的才能可以说是无师自通，他没有受过教育，所以说他既非科班又非文人的画家，然而这位画匠是一位天才的抒情大师，近代文明的伟大诗人。我们可窥见到洛兰的艺术真谛：画面地平线压得很低，从天际放射出光芒，河水滋养着农田，两岸古木参天，背光处浓阴馥郁，芳草留香，在天空逆光的照射下，更衬托出天水的光明。休息的农人们在河岸上欢快地舞蹈嬉戏，这些点缀性的人物，使画面深远辽阔。由于舞者的欢乐而使宁静的大自然充满生命的活力，实在是一首田园抒情诗篇。 雷诺兹在晚年失明前画了这幅儿童肖像，构图很生动，取一个自然的手势，这一生活形象有助于表现儿童的活泼性格。在这幅画中画家用笔更为潇洒粗犷，以写意的笔触、大色块塑造形象，使肖像更有绘画性，也具有更高的艺术性。 故事写的是罗马城和阿尔贝城之间发生战争，画面所描绘的是贺拉斯三兄弟向代表罗马王的父亲老贺拉斯宣誓效忠祖国的庄严场面。构图以老贺拉斯为中心，其他人物分列两边成视觉对称式均衡。老贺拉斯高举宝剑，三个儿子伸出有力的手臂作接纳状，人们手脚相对；在老人身后是一组陷入悲痛的女子，她们低首相依、无可奈何。人物的动势和组合都以直线和金字塔式构成，造成视觉上的单纯、沉着、稳定和强健的冲击力，全部人物被置于罗马圆柱式建筑大厅，这更增加了画面庄严神圣的气氛。
卡巴内尔擅长装饰绘画，在这幅富有东方埃及情调的历史风俗画中，描绘了埃及女王克利奥帕特拉下令在死囚犯身上试验毒药效果的悲剧场面。画家以饰有古埃及象形文字的埃及古代建筑廊柱作为背景，画面中景是光照下描绘试毒囚犯情景，而近景却表现克利奥帕特拉正在使女陪伴下悠闲观看。画家用古典主义的手法描绘人物和环境，美丽的外形与狠毒的内心不和谐地表现在这幅画中。 2007年中国收藏界十大事件十大人物揭晓由中国网、作家文摘报、百年潮杂志、收藏界杂志等12家媒体联合推选的2007年中国收藏界十大事件十大人物，2007年12月26日在全国政协礼堂正式揭晓，并举行了隆重的颁奖仪式。这是中国收藏界首次评选年度人物，反映了盛世收藏文化开始进入主流媒体的视线。 中国博物馆学会理事长、国家文物局原局长张文彬,中国期刊协会会长、国家新闻出版总署原副署长石峰，国学大师文怀沙，著名作家张贤亮等出席了颁奖仪式。 据联合推选委员会负责人介绍，这次十大事件和十大人物的推选原则是公益性、影响力、创新力。特别是十大人物，是从50名候选人中筛选出来的，包括收藏家、鉴赏家、艺术家、文博工作者、艺术品经纪人、媒体人士等，依其对中国收藏文化的推动以及媒体、公民的关注度大小，最终选出了对2007年中国收藏界有积极影响的十大人物。 十大人物中，文怀沙、张贤亮、王树文、李彦君、赵泰来、郑太顺出席颁奖仪式并分别发表了热情洋溢的获奖感言，有“中国牌王”之称的郑太顺还即兴表演了他的扑克牌绝活，令现场来宾大开眼界。 冯骥才因公务未到现场，委托中国民间文化遗产抢救工程办公室常务副主任王锦强代为领奖并发表了书面获奖感言：“首先祝贺12家媒体和《收藏界》杂志举办的这次活动，这必将对时下正热的民间收藏热予以有益的推动。关于我，严格地说，我不是收藏家，我只是注重收藏。我不关心藏品升值与否，只注重历史遗存的见证价值与文化价值。收藏是留住历史的方式之一。因此我认为收藏是一种重要的保护历史遗存的文化行为。或者说，收藏是我文化保护工作的一部分。谢谢推选委员会对我的理解。” 王刚因有档期出差，特委托北京电视台《天下收藏》节目统筹邵静贻代为领奖并带来了一幅墨宝：“去伪存真”。 罗晰月因为正在录制节目，特别委托《鉴宝》栏目编导刘志卿代为领奖。 与一般的奖杯不同，这次十大人物的奖杯本身就是一件精美的艺术品，他是一尊定窑仿青铜爵杯，由中国工艺美术大师、定窑传人陈文增先生亲自设计，签名监制，不仅具有较高的收藏价值，而且令人耳目一新。 12家联合推选媒体是：中国网、新华网收藏频道、新浪网收藏频道、CCTV《艺术品投资》、作家文摘报、北京日报、北京晚报、收藏快报、百年潮杂志、文物天地杂志、民间文化杂志、收藏界杂志。
链接一： 2007中国收藏界十大人物
文怀沙（国学大师、文物鉴赏家） 颁奖词：他是一位年近百岁的老人，一个不知疲倦的行侠，一方通晓天下的神仙。他研究屈原，成果迭出，被称为“新中国楚辞研究第一人”；他一生以屈原为榜样，践行屈原精神，纯真质朴，表里清澈，被誉为“当代屈原”。他的书法取法高古，充满金石味，深受收藏界人士喜爱。他在晚年编了一套最大的书，写了一篇最短的文。《商周文明》《秦汉文明》《魏晋南北朝文明》《隋唐文明》，集纳《四部文明》；正、清、和，儒、释、道，收藏世间万象。
冯骥才（中国文联副主席、中国民间文艺家协会主席、著名作家、画家） 颁奖词：他以一位学者的使命感和名人的感召力，呼吁全社会行动起来保护我们祖先留下的文化遗产。他常年奔走在山野乡村，亲自普查中国民间文化的家底。他最先倡议设立国家文化遗产日，提议立法保护中华民族的传统节日。继2004年卖画筹集民间文化遗产抢救资金之后，2007年他再次割让自己的画作用来抢救我们民族的灵魂。他收藏的是整个中华民族的精神遗产，有了他和他的影响，我们民族的血脉就不会断绝，我们民族的灵魂永远不会下跪。
何鸿燊（港澳知名爱国人士、企业家、收藏家） 颁奖词：他不仅是一位成功的商人，还是一个爱国者，为澳门回归祖国做了大量工作。他发自内心地热爱中华文化，致力于抢救流失海外的珍贵中华文物。早在1987年，他就向国家捐献了147件中国古代文物。2003年捐资600万元人民币，从海外购回圆明园猪首铜像捐给了保利博物馆。2007年9月，他又以6910万港元的高价，成功购入圆明园十二生肖“水力钟”喷泉之马首铜像，并宣布将其捐赠给国家。他说，将继续搜集流失的其他7尊动物铜像，争取十二生肖重新回归祖国聚首。
张贤亮（著名作家、收藏家、宁夏镇北堡西部影城董事长） 颁奖词：八十年代，他以小说《灵与肉》、《绿化树》、《男人的一半是女人》等闻名全国。九十年代，他又因创建西部影视城、出卖荒凉而名满华夏。他醉心于收藏民俗文物，收集了大量的古代生产、生活、娱乐工具。他力行文化创意，率先实现收藏产业化。2007年，他的影视城正向中国西部活的民俗博物馆转型，影视城本身的明城、清城以及众多电影电视剧拍摄后留下的菜馆酒肆、商摊钱庄、都府宅门，和画像、剪纸、秦腔、皮影戏、舞狮子的民间艺人一起，构成了一幅幅原始、古朴的古代生活图。
罗晰月（中央电视台《鉴宝》栏目制片人、主持人） 颁奖词：在荧屏劲吹娱乐风的时候，她创办了一档严肃的传统文化类节目。伴随着悠扬的古琴曲，她与观众一起品评秦砖汉瓦，鉴赏宋瓷元画，一股清新的文化之风吹进千家万户。她使藏在深宫大院的文物专家走上前台，成为众人追逐的明星，突显了知识的价值。她坚持真理，目标坚定，励志创新。她使观众在娱乐中见识了珍宝，开阔了眼界，学习了知识。在她的栏目影响下，全国各地先后推出了数十个电视收藏栏目，大江南北掀起了新一轮的收藏热。
王 刚（北京电视台《天下收藏》栏目主持人、著名演员） 颁奖词：他是娱乐圈里最有名的收藏家，收藏家里最具人气的大名人。他博古藏今，搜求天下奇珍。他出演电视连续剧《五月槐花香》和《玉碎》，一反一正，两个角色，把旧时代古玩商的形象演绎得血肉丰满，感人肺腑。2007年每周六的晚上10点05分，他都如约出现在北京电视台一档名叫《天下收藏》的栏目，与嘉宾和观众一起说瓷论玉，评书判画，还常常举起护宝锤，怒砸赝品，引起观众的强烈反响，揭开了一个又一个收藏中的迷案，引导了观众对收藏的正确理解。
王树文（中国工艺美术大师、象牙雕刻和花丝镶嵌艺术家） 颁奖词：在纽约联合国大厦的展览大厅里，中国象牙雕刻作品《成昆铁路》令无数外国友人感到震撼。这件获准永久陈列在联合国总部的牙雕作品是1973年中国赠送给联合国的国礼之一，它的总设计师就是中国工艺美术大师王树文。他是国家级非物质文化遗产项目象牙雕刻和花丝镶嵌的代表性传承人，他领衔创作、历时四年完成的近年来规模最大的花丝镶嵌作品《珠宝天坛祈年殿》，共耗用白银128千克，钻石、宝石20余万颗，成为2007年最为轰动的工艺美术作品。
李彦君（北京美术学院文物系主任、清华大学国家文化产业研究中心特约研究员） 颁奖词：他11岁开始收藏钱币，后来主攻陶瓷、玉器、铜器，先后创办了5家博物馆。他出版了10本收藏类专著，首次提出文物鉴定应当与时俱进的观点。他立志培养文物鉴定专门人才，建立了科学的文物教育体系。他率先提出官窑泡沫、和田玉泡沫破灭的论断，呼吁民间收藏保持理性。他敢为天下先，在艺术品拍卖中首次引入公司自律条款，大胆承诺对拍品保真保退，取消一切不合理收费，引导艺术品市场回归历史，回归本源。
赵泰来（英籍华人收藏家、画家） 颁奖词：他衣着朴素，言语不多，很难把他与儒雅的画家联系在一起，更难把他与身价不菲的收藏家联系在一起。然而，他的传奇人生如同画卷一般色彩斑斓。为了抢救家族留下来的收藏品，他放弃了心爱的绘画事业，做起了长达10年的“地下工作者”，被称为“最穷的亿万富翁收藏家”。他先后将自己及家族的5万多件藏品捐赠给国内博物馆，其中不乏珍贵文物，估价达数亿元人民币，与陈香梅、金庸等一起荣获“世界杰出华人奖”。能让中华民族的艺术瑰宝回到祖国，是他最大的心愿。
郑太顺（福建泰顺棋牌俱乐部董事长、收藏家） 颁奖词：他挚爱棋牌文化，收藏各类扑克七千余副，建成了两千多平方米的棋牌展示厅。他练就了一手牌技绝活，创下了世界上“最快时间排列一副纸牌”的吉尼斯记录，被称为“中国牌王”。他把扑克的技法发挥到了令人难以置信的地步，却从不涉足赌桌。他用自己的牌技展示告诉许多嗜赌之人一个道理：赌桌上十赌九诈。他专门开通了一条反赌公益热线，全天24小时为饱受赌博困扰的家庭服务，利用自己高超的棋牌技术，教育那些沉迷赌博的人尽早幡然醒悟。
链接二：2007中国收藏界十大事件（按时间排序）
1. 161人获得中国工艺美术大师称号，这是10年以来的首次工艺美术大师评审，当代艺术大师的作品开始受到收藏市场的重视。 1月11日，第五届中国工艺美术大师评审工作总结表彰大会在人民大会堂举行，共有161人获得第五届中国工艺美术大师称号。中国工艺美术大师是我国授予传统工艺美术产业工作者的最高荣誉称号，自1979年组织评审以来，共进行了5届，评出中国工艺美术大师365位。本届评审是1997年国务院发布《传统工艺美术保护条例》以来首次工艺美术大师评审。中共中央、国务院领导对此次活动高度重视，温家宝、曾培炎、李铁映、郝建秀等领导或表示祝贺，或出席表彰大会，或作重要讲话。
2. 北京奥运会、残奥会奖牌采用金镶玉，是中国传统文化与奥林匹克精神的完美结合，由此带动了奥运题材艺术品的收藏热。 3月27日，北京奥组委发布了2008年奥运会奖牌式样。奖牌正面为国际奥委会统一规定的图案，背面镶嵌取自中国古代龙纹玉璧造型的玉璧，奖牌挂钩由中国传统玉双龙蒲纹璜演变而成。玉的色泽随金、银、铜牌有所变化，分别为：白玉、青白玉、青玉，俗称“金镶玉”。11月14日，北京2008年残奥会奖牌式样正式发布，同样为“金镶玉”，其设计创意、造型与北京奥运会奖牌一脉相承。奖牌尊贵典雅，中国特色浓郁，既体现了对获胜者的礼赞，也形象诠释了中华民族自古以来以“玉”比“德”的价值观，是中华文明与奥林匹克精神的完美结合。
3.从2007年5月1日起，凡个人通过拍卖市场拍卖的财产，包括字画、瓷器、珠宝、邮品、古董等，获得的收入都要征收个人所得税。 4月，国家税务总局发出通知，自5月1日起，除文字作品原稿及复印件外的个人财产拍卖所得，应以其转让收入额减除财产原值和合理费用后的余额为应纳税所得额，适用20％税率缴纳个人所得税。之前我国对个人财产拍卖所得征收个税的规定不够细化，可操作性较弱。这份《通知》进一步明确，个人财产，包括字画、瓷器、玉器、珠宝、邮品、钱币、古籍、古董等物品拍卖所得应纳的个人所得税税款，由拍卖单位代扣代缴，并按规定向拍卖单位所在地主管税务机关办理纳税申报。业内人士认为，此举对拍卖市场将产生一定的影响，不仅拍品征集的难度和成本增加，藏品的交易成本也会大大提高。
4.首批来自民间收藏家的六件珍贵文物获得“中国民间国宝”称号，民间珍贵文物有了评审标准。 6月20日，由中国民间国宝专家评审委员会和收藏界杂志社联合主办的“首届中国民间国宝评审”在北京钓鱼台国宾馆揭晓。春秋早期秦公壶、清沈铨《百鸟朝凤图》卷、清棋谱《渊深海阔》手稿、清朱金木雕照壁、近现代岫岩玉龙床、当代檀香木雕《瑶池集庆》等从13329件藏品中脱颖而出，被授予首届“中国民间国宝”称号。6件国宝的保险总金额达到3.1亿元人民币。清石涛《大江红树图》卷、清乾隆鎏金填珐琅如意、清铁力木金漆木雕大屏风、清玉雕十八罗汉、启功草书《千字文》等获得了首届中国民间国宝入围藏品奖。
5. 收藏界和音乐界首次联手进行文化创新，奖金总额高达50万元的《国宝》歌曲征集活动在北京启动。 7月19日，由中国民间国宝专家评审委员会和收藏界杂志社联合举办的《国宝》歌曲征集活动在人民大会堂启动。《国宝》歌曲创作主题是：歌颂优秀的中华文化遗产，歌颂人们对中华文物和华夏文明的热爱，歌颂国宝级遗产所蕴含的和谐理念。福建企业家曾荣火和李凤强为《国宝》征歌提供全程赞助，并向组委会负责人移交了50万元歌曲创作专项奖金。《国宝》歌曲征集时间截至2008年5月，阎肃、徐沛东、罗杨、任卫新、刘万捷、朱智忠、张远福等词曲名家担任评委，2008年10月举行《国宝》歌曲演唱会。
6.著名学者、文物鉴定家史树青先生逝世，中国收藏界少了一位标志性人物。 11月7日，著名学者、文物鉴定家、国家文物鉴定委员会副主任、中国国家博物馆研究员史树青在北京逝世。史树青先生自幼喜爱古玩字画，中学时代就有“鉴藏年少独名家”的美誉。在大学打下坚实的文史基础，毕业后长期在博物馆系统从事文物征集与鉴定，于书画、碑帖、金石、陶瓷、诗词等领域用功甚勤，著述丰富。他曾担任中国收藏家协会会长、名誉会长等职，积极参加民间收藏活动。他学识渊博，忠诚善良，乐于助人，深受海内外收藏界人士爱戴。作为中国收藏界的一面旗帜，史树青的逝世，是中国收藏文化界的巨大损失。
7.我国各大历史名窑联合发布《中兴中华历史名窑龙泉宣言》，倡议联合申报世界文化遗产。 11月17日，来自汝、官、哥、钧、定五大名窑以及磁州窑、耀州窑等历史名窑的工艺美术大师们，在浙江省龙泉市联合发布《中兴中华历史名窑龙泉宣言》，倡议在中国陶瓷工业协会牵头下，积极参与联合申报世界文化遗产行动。各大历史名窑的代表在宣言中表示，目前各大名窑发掘、保护、继承和弘扬陶瓷文化的力度需要强化，国内外知名度还不够高，作坊式生产比率高，产业化程度低，市场竞争力弱，科技水平较低，人才缺乏。因此要加强合作交流和科研教育，培养人才，多出精品名品，同时设立“中兴中华名窑突出贡献奖”。
8.四件所谓回流“国宝”遭遇撤拍、赝品风波，专家与拍卖失信再度升级。 10月9日，四件流失海外的“国宝”级文物在北京亮相，并接受了故宫博物院、鄂州博物馆、台湾文物专家的现场鉴定。四件文物是：号称“中华第一带钩”的战国至西汉九镶带钩、两件东汉“光武帝刘秀御用漆器”以及春秋四羊青铜器方壶。主办单位称，这4件文物不久将在皇朝·诚铭拍卖公司拍卖，总估价超过7000万元，引起广泛关注。21日，这四件“国宝”级文物拍卖被北京市文物局紧急叫停。12月5日，北京市文物局局长孔繁峙针对此事发表看法，撤拍的主要原因是拍卖公司没有事先报批和送主管部门鉴定，经过文物局组织的专家鉴定，其中三件为仿制品，另一件由于专家意见不一，尚不能下结论。
9.中央电视台《艺术品投资》推出“民间寻宝记”，现场鉴宝足迹遍及35个城市，被称为中国收藏界的“同一首歌”。 《艺术品投资》是中央电视台经济频道推出的一档报道艺术品收藏和投资知识的专业性栏目，在收藏界影响较大。栏目组从2006年11月开始推出《CCTV民间寻宝记》大型电视系列活动，到2007年达到高潮，先后走进全国10余个省、35个大中城市。每到一地，参加“民间寻宝记”的收藏爱好者达数千人，专家现场免费鉴定宝物近万件，热烈程度超出预计。栏目组为此制作了“民间寻宝记”系列节目，纪实报道专家现场鉴宝的过程以及对收藏文化知识的讲解，受到观众的热烈欢迎，被誉为收藏界的“同一首歌”。
10.宋庄画家村农民与艺术家发生房产纠纷，引发关于当代艺术家生存环境的讨论。 从1994年多名画家入住北京东部潮白河畔的宋庄镇小堡村一带，到2007年这里聚集了近1500名艺术家，成为国内外知名的画家聚居地，拥有很多由农民房改建的艺术家工作室、美术馆、画廊等。2006年宋庄画家村被规划为北京市十大文化创意产业集聚区之一，房价上涨数倍，昔日将房子卖给画家的农民反悔了，纷纷把买房画家告上法庭。在画家村定居的艺术家中，有200多人买了农民房，至2007年共发生13起农民讨房诉讼，形成了广受社会关注的“宋庄房讼案”。“宋庄房讼案”表面上的关注焦点是城里人买农民房是否合法，而核心则是如何构建当代艺术土壤、营造文化产业环境的问题。 November 01 “奥运之光”：1210万元营造时空艺术的“世界地图” ——解读首幅奥运题材油画巨制的神秘
“2007年6月，首幅奥运题材油画巨制‘奥运之光’一槌拍得1210万元的天价”，这在中国艺术界、拍卖行已不属稀奇，随便百度一下“墨客 奥运之光”，便能获得591篇关于此项内容的报道。排头前几位的自然是CCTV、新华网、人民网、凤凰网、新浪、搜狐等。然而，遗憾的是，受照片大小所限，大多数读者不能深切感受到这幅巨作带给人的神秘与震撼。谨此作文希望能为读者解读其十分之一。
“这是一张世界地图” 2007年8月，两位来自美国的艺术爱好者偶然见到这幅巨作，禁不住叫出声来：Oh，look，this a map！（噢，看，这是一张地图！） 的确，这是一张地图：位于“欧、美、澳、亚、非”的各届奥运主办方的国旗及其熊熊火炬列位其中，讲述着奥林匹克从创始之初到08年来到中国所经历的艰辛漫长的历程，清楚地表明了奥运精神生命力的顽强与今日中国经济的巨大腾飞。“经历了很长的一段时间，奥林匹克才来到了亚洲的日本和韩国。2008年，奥运会将要在东方巨龙——伟大的中华人民共和国举办。这清楚地表明了中国经济的腾飞和建设的发展。我希望奥运之光可以点亮全世界：欧洲、美洲、澳洲、亚洲和非洲。这是我由衷的愿望。而现在，奥运的光芒将在我万分崇敬的国家——中国熠熠生辉。”华裔抽象色彩主义油画大师墨客用这张纵横五大洲四大洋的“世界地图”表达了他内心深处之于爱、和平与世界人民大团结的强烈渴望和真挚的爱华热情。
“营造时空的艺术” 有人说：“音乐是时间的艺术，绘画是空间的艺术。”但在墨客的这幅巨作里，我们不仅看到了激情澎湃的动态狂舞，还似乎听见了音乐的奏鸣。因而，它是“时空的艺术”。 画面第一眼扑入心扉的是它那颇具生命感染力的宏观背景——金黄与蓝、紫的和谐交响。墨客说：“我最爱的颜色是黄色和紫色。我认为黄色是有益的颜色，因为它给了我生气、鼓励、信心、活力和热情，而紫色对于我来说意味着浪漫、梦想、渴望和趋向。”整幅“奥运之光”以金黄为背景，衬托出奥运的神圣与生命的辉煌；蓝色穿插其中，如同海洋飞舞的灵魂；有意无意间再加上几笔紫色的撩拨，奥运精神不竭的生命顿时变得鲜活可人、激情四溢。 在这象征着激情、梦想与渴望的宏大背景下，墨客更是以他那强大有力而又深得韵味的大面积笔触，演奏着有如贝多芬《命运》的生命狂响曲。墨客巨作画得不少，看过这些巨作的人都无一例外地感到惊异：这个人怎么可以一笔挥舞得这么长且连续有力，甚至一口气蹦出了三四米！除了天生的力气大外，墨客有他独到的心得：“在现实与渴望之间奋斗，内心会变得多愁善感。在一幅由画风的速度和力量构成的抽象画中，达到平衡、空间的无限旅程、图像、颜色的生动的共鸣，都要比定义重要得多。”（墨客《我的色彩观》）可见，对于速度与力量的掌控是他思想深处对于油画艺术创作之道的深刻领悟。 大到大海，小到细流，墨客绝不放弃任何可以“如同波浪拍打读者的心①”的那些不起眼的细节。在这幅错综复杂的奥运巨制中，每一小笔，每种色彩的随意泼洒，都有如音乐的伴舞。那一把把火炬的袅燃，恰似美丽女子的优扬舞姿，纤纤舞姿漫步于这张“世界地图”的舞台上，展示着世界各族人民之于爱、和平与团结的强烈渴望，以及对奥运即将到来的那种情不自禁的狂欢。这难道不就是一首名为《同一个世界，同一个梦想》的奥运交响舞曲吗？ 就是这样一幅奥运巨制，将全世界人们的奥运心怀真切地表达出来，任何见到它的人无不受到这种爱、和平与团结的心绪感染。
“1210万元起步的绩优股” “奥运之光”就其画面立意与布局来看，说它是一幅奇特的“世界地图”毫不为过；就其艺术美感来看，“营造时空的艺术”更是恰到好处的比喻。然而就其历史价值，1210万人民币却不可能成为永久定论。现在，它已不纯然为一幅油画，除了由中国网通申报北京奥组委批准制作奥运电信纪念卡限量发行外，它还将作为奥运里程碑的珍贵见证物与奥运精神一起封存、绵延。因而，它还是1210万元起步的绩优股。
注：①引自APPRECIATION: CONTEMPORARY PAINTING（《当代油画创作与欣赏》 作者：墨客）：“一幅油画的某些不起眼的地方往往会引起欣赏者的共鸣，如同波浪拍打着他的心。”
来源：＜今日世界＞十月刊 October 02 生活像艺术一样杜尚向来将艺术的地位贬低，认为人们没有必要把艺术看得多么神圣和高雅．因而，他一直以一种反美学的态度生活着，甚至拿马桶这类现成品去展览，或不经意间就在微笑的蒙娜丽莎的脸上划两撇胡子．著名海外作家王瑞芸评价他是，将他那金子般闪光的思想举重若轻地随意抛洒． 很欣赏这位颠覆美国２０世纪艺术观念的画家．若问我为何会喜欢与从事艺术有关的文化事业，那最主要的原因是在杜尚与王瑞芸的影响下，我也的确通过他们相信了艺术与人类生活之间平凡而又特殊的关系． 如同杜尚那样，转换他的说法，每个人在他的一生中都在创造着艺术，艺术同人类追求的其他很多事物一样，是人们心灵的港湾，寄托之物，之于理想，之于奋斗，甚至之于平常人们的每一行为动作：一个手势，一场聚会，一次演讲，或者举杯饮酒的那一瞬间．艺术只是一个概念，而生活却是实实在在的，艺术的从容与创造自我灵魂的价值体现运用到生活中，生活本身也就成其为艺术，从有我到无我，从忘神地步入真实的自我的空间，那一刻起，生活就成为了艺术． 听别人崇拜杜尚如何如何神奇，了不起，其实看过＜杜尚访谈录＞后也不觉得怎样，这个人最非同寻常的也不过就是他对于自己生活价值的准确把握与坚持，正如王瑞芸在她的＜通过杜尚＞中所说，这个人，最好的艺术就是他的生活． 别说艺术离我们多遥远，也别说艺术有多高雅，高不可攀，艺术和简单的生活一样，生活中体会自我灵魂的观照自在，认真地活着，投入希望而为实现自我价值创造性地活着，艺术就寄存在我们心间．
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